Gustav-Klimt-Bilder: Ein Ratgeber für Sammler zum Meister aus Wiens go

Gustav Klimts Der Kuss in Eiche gerahmt, in einem sonnigen Wohnzimmer neben einer hohen Pflanze

Künstlerporträt · 8 Min. Lesezeit · Kuriosis Studio Team, Berlin · August 2026

Gustav Klimt hat weniger als fünfzehn Jahre mit Blattgold gearbeitet, und doch stammt aus diesen Jahren das bekannteste aller Klimt-Bilder und das Gemälde mit dem größten Wiedererkennungswert, das Wien je hervorgebracht hat. Sein Name steht heute für eine ganze Ästhetik, Gold, Muster und Ornament über der menschlichen Figur, aber die Geschichte dahinter ist seltsamer und besser dokumentiert, als dieses Schlagwort vermuten lässt: der Sohn eines armen Goldgraveurs, ein Skandal, der zur Ablehnung seines ehrgeizigsten Werks führte, und Gemälde, die heute über große Museen und Privatsammlungen verstreut sind, von denen die meisten Sammler nie eines im Original sehen werden. Wenn dich Der Kuss oder der Künstler dahinter anzieht, dann steht hier, was sein Werk und diese Geschichte wissenswert macht, bevor du dich für einen Kunstdruck entscheidest.

Vom Sohn eines Goldgraveurs zur Wiener Secession

Klimt wurde 1862 in Baumgarten bei Wien geboren, als zweites von sieben Kindern einer Familie, die in echter Armut lebte. Sein Vater, Ernst Klimt der Ältere, arbeitete als Goldgraveur, ein Handwerk, auf das Biografen seit jeher als Ursprung der späteren Obsession des Sohnes mit Blattgold verweisen. Von 1876 bis 1883 studierte Klimt an der Wiener Kunstgewerbeschule und gründete bald darauf mit seinem Bruder Ernst und dem Mitschüler Franz von Matsch die „Künstlercompagnie“, die dekorative Wandbilder für öffentliche Gebäude in der ganzen Stadt schuf, darunter das Burgtheater, eine Arbeit, die ihm 1888 das Goldene Verdienstkreuz von Kaiser Franz Joseph I. einbrachte.

1897 war Klimt Mitbegründer und erster Präsident der Wiener Secession, der Bewegung, die die österreichische Kunst unter dem Motto „Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit“ von der konservativen Akademie löste. Er führte sie fast ein Jahrzehnt, bevor er sich 1906 abspaltete und mit der Kunstschau eine konkurrierende Gruppe gründete. In dieser Zeit, befreit von institutionellen Erwartungen, nahm sein ehrgeizigstes und umstrittenstes Werk Gestalt an: die Fakultätsbilder für die Universität Wien, ein Auftrag von 1894 bis 1907, drei große Leinwände mit den Titeln Philosophie, Medizin und Jurisprudenz, wurden von Kritikern als obszön verurteilt und nie in der Aula installiert, für die sie gedacht waren.

Diese drei Leinwände verbrannten 1945 vollständig bei einem Feuer auf Schloss Immendorf, gelegt von abziehenden Truppen gegen Ende des Zweiten Weltkriegs. Es ist einer der großen Verluste der Malerei des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, und er bedeutet, dass die Fakultätsbilder heute nur in Vorzeichnungen und einer kleinen Zahl von Fotografien überliefert sind. Eine Figur allerdings ist weit besser dokumentiert als der Rest: Hygieia, die griechische Göttin der Gesundheit, die im Zentrum der Tafel Medizin stand. Erhalten ist ihr Bildnis durch eine Schwarz-Weiß-Fotografie des fertigen Gemäldes, aufgenommen kurz vor der Zerstörung, und durch eine Farbtafel in einer Klimt-Monografie von 1931. Diese Farbtafel, und kein erhaltenes Gemälde, ist der Grund, warum sich Hygieia heute so klar reproduzieren lässt wie jedes andere Werk der Goldenen Phase, ein kleiner Rest eines zerstörten Bildes, der allein durch Reproduktion weiterlebt.

Die Goldene Phase: Ravenna, byzantinische Mosaiken und eine neue Art, Frauen zu malen

Was Sammler heute Klimts „Goldene Phase“ nennen (etwa 1898 bis 1911), begann 1898 mit Pallas Athene, aber das technische Fundament legte erst Judith, gemalt 1901 und heute im Belvedere in Wien, das die weltweit größte Einzelsammlung von Klimt-Gemälden besitzt. Es war Klimts erste substanzielle Verwendung von echtem Blattgold in der Ölmalerei, aufgetragen in einer Technik namens Ölvergoldung: Blattgold auf einen Klebegrund gelegt und dann gezielt mit Pigment übermalt, um Muster in Schichten aufzubauen. Das Belvedere, das das Gemälde in seiner Sammlungsdatenbank führt, beschreibt es als Verwandlung der biblischen Witwe in „eine erotische Femme fatale“, deren halb geschlossene Augen inszenieren, was Kuratoren „einen Kampf der Geschlechter“ nennen.

Seine volle Form fand der Stil nach einer Reise nach Ravenna im Dezember 1903, wo Klimt die byzantinischen Goldmosaiken in der Kirche San Vitale sah, tausend Jahre alte Wände, vom Boden bis zur Decke mit flachen, glitzernden Figuren bedeckt, ohne jedes Interesse an Tiefe oder Schatten. Er kam nach Hause und begann, genauso zu malen. Die Neue Galerie New York, der heute das Bildnis Adele Bloch-Bauer I gehört, beschreibt dessen Gold- und Silberoberfläche als aufgebaut aus „juwelenartigen Flächen, die Halbedelsteinen ähneln“, ein direktes Echo dessen, was Klimt in Ravenna gesehen hatte. Mit Adele Bloch-Bauer hat es noch etwas Besonderes auf sich: Sie ist die einzige Person, die Klimt je zweimal in ganzer Figur porträtiert hat, einmal 1907 auf dem Höhepunkt der Goldenen Phase und noch einmal 1912 in einem deutlich anderen, farbigeren Stil. Das Gemälde von 1907 hat seine eigene, gut dokumentierte Geschichte: 1938 von den Nazis beschlagnahmt, jahrzehntelang unter dem bewusst anonymen Titel „Die Dame in Gold“ gezeigt, um die jüdischen Vorbesitzer zu verschleiern, und erst nach einem wegweisenden Restitutionsurteil im Januar 2006 an die Erben der Bloch-Bauers zurückgegeben, woraufhin Ronald S. Lauder es für die Neue Galerie zu einer damaligen Rekordsumme kaufte.

The Kiss

Danae

Hygieia

Was Klimt-Bilder als Kunstdruck heute wertvoll macht

Originale Klimt-Gemälde kommen fast nie auf den Markt, und wenn doch einmal Fragmente seines Nachlasses auftauchen, ziehen sie die Aufmerksamkeit von Museen auf sich, statt still in Privatbesitz zu wandern. Genau diese Knappheit ist der Grund, warum es Kunstdrucke für ein Studio wie unseres gibt. Kaufen könntest du diese Bilder ohnehin nie. Der Reiz liegt darin, eine Handvoll ganz bestimmter, kunsthistorisch aufgeladener Motive zum Aufhängen verfügbar zu machen, statt sie nur in einem Buch oder hinter Museumsglas auf einer Wienreise anzuschauen. Ein paar Dinge lohnt es sich zu wissen, bevor du dich für eines entscheidest.

Eine kurze, unwiederholbare Phase

Die Goldene Phase reicht von etwa 1898 bis 1911, rund dreizehn Jahre in einer Laufbahn von über drei Jahrzehnten. Klimt kehrte nach 1911 nie ganz zu ihr zurück, und das ist ein Grund, warum genau diese Gemälde, darunter Der Kuss, Danae und Hygieia, als abgeschlossener, eigener Werkblock gelten und nicht als ein Stil unter vielen.

Nicht alles hängt im Museum

Der Kuss und Judith hängen im Belvedere. Danae nicht: Das Bild ist bis heute im Besitz einer österreichischen Familie, anders als die meisten großen Werke der Goldenen Phase. Diese Lücke zwischen dem, was öffentlich zu sehen ist, und dem, was nicht, ist genau der Grund, warum ein gut gemachter Kunstdruck für Sammler zählt, die das Bild wollen, ohne an der Unmöglichkeit des Originals zu scheitern.

Provenienz als Teil der Geschichte

Mehrere bedeutende Klimts, darunter Adele Bloch-Bauer I und Mäda Primavesi, wurden unter der NS-Herrschaft beschlagnahmt und erst später an die Familien restituiert. Wer einen Kunstdruck dieser Werke besitzt, hat damit auch einen Teil dieser dokumentierten Geschichte an der Wand, über das reine Motiv hinaus.

Technik, die man sieht

Klimts Ölvergoldung, Blattgold unter und über der Farbe geschichtet, ist der Grund, warum sich seine Werke der Goldenen Phase so unverwechselbar fotografieren und reproduzieren lassen. Ein guter Kunstdruck hält diesen Schimmer fest, statt ihn zu einem flachen Metallton zu glätten.

„Ich bin weniger an mir selbst als Gegenstand eines Bildes interessiert als an anderen Menschen, vor allem an Frauen.“
— Gustav Klimt

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Jenseits des Kusses: Klimts stillere Landschaften

Klimt malte mehr Landschaften, als die meisten vermuten, fast alle im quadratischen Format, ein bewusster Bruch mit den hohen Figurenbildern, für die er am bekanntesten ist. Fast jede davon entstand in den Sommern, die er mit seiner Lebensgefährtin Emilie Flöge und deren Familie am Attersee verbrachte, fern von Wiens Ausstellungspolitik und Porträtaufträgen. Man sieht es den Arbeiten an: Die Attersee-Bilder lassen das Wasser fast die gesamte Leinwand füllen, in lockerem, getupftem Pinselstrich, der dem Impressionismus näher ist als irgendetwas aus der Goldenen Phase, gemalt vom Ruderboot aus statt im Atelier. Beech Grove, der Buchenwald, hängt heute im Albertinum in Dresden und nicht in Wien und überträgt dieselbe dichte, gemusterte Oberfläche seiner Goldporträts auf einen Waldboden statt auf einen Körper, Blattgold getauscht gegen ein Mosaik aus Ocker und Blau.

Kirche in Cassone, gemalt 1913, hat ein eigenes kleines Rätsel: Die genaue Kirche, San Biagio am Gardasee, identifizierte ein Kunsthistoriker erst 2010, fast ein Jahrhundert nachdem Klimt sie gemalt hatte und lange nachdem der Ort aus dem öffentlichen Gedächtnis verschwunden war. Für Sammler bieten diese Landschaften etwas, das die Goldporträts nicht haben: ein ruhigeres, wohnlicheres Register desselben Künstlers, in Dichte und Muster unverkennbar seine Handschrift, ohne ein mythologisches Thema zu brauchen, um den Platz an der Wand zu rechtfertigen.

Mehr Kunstdrucke von Gustav Klimt aus unserer Kollektion:

Attersee

Beech Grove

Kirche in Cassone

Warum Kunstdrucke? Der Kuriosis-Ansatz

Jeden Klimt fertigen wir in unserem Berliner Studio mit archivfesten Pigmenttinten, die auf über hundert Jahre ausgelegt sind, damit die Goldtöne halten, statt flach zu verblassen. In der Kollektion siehst du alle Rahmen und Größen für deinen Raum.