Odilon Redon: Ein Ratgeber für Sammler zum Vater der symbolistischen T

Odilon Redons Vase of Flowers schwarz gerahmt, neben einem Fenster mit Pflanzen

Künstlerporträt · 7 Min. Lesezeit · Kuriosis Studio Team, Berlin · August 2026

Odilon Redon hat mehr als zwei Jahrzehnte fast ausschließlich in Schwarz gearbeitet, bevor er sich je an ein Blumenbild wagte. Wer diese Schwarz-Weiß-Zeit versteht, und warum er sie aufgab, sieht in seinen juwelenfarbenen Sträußen weit mehr als hübsche Blumenbilder: Im Geist stehen sie den visionären Kohlezeichnungen davor näher als jeder konventionellen Stillleben-Tradition. Hier ist die ganze Geschichte hinter dem Werk und was du wissen solltest, bevor du dich für einen Kunstdruck entscheidest.

Zwei Jahrzehnte in Schwarz: die „Noirs“ von Odilon Redon

Redon wurde 1840 als Bertrand-Jean Redon in Bordeaux geboren und nach seiner Mutter Odile „Odilon“ genannt. Etwa die ersten zwanzig Jahre seines Arbeitslebens, über seinen Dienst im Deutsch-Französischen Krieg von 1870 bis 1871 hinweg und noch lange danach, arbeitete er fast ausschließlich in Kohle und Lithografie, ein Werkblock, den er seine Noirs nannte. Er beschränkte sich dabei nicht aus Mangel an Ehrgeiz. Wie das Getty Museum es formuliert, Redon direkt zitierend, war Schwarz für ihn „die wesentlichste Farbe“, eine, die „ihre Erregung und Lebendigkeit aus der Tiefe unserer organischen Empfindsamkeit zieht“. Seine Noirs baute er aus Kohle, schwarzer Kreide und Conté-Stift, geschichtet und bearbeitet, um aus einer einzigen Farbe eine erstaunliche Bandbreite an Ton und Textur herauszuholen.

Die Noirs fanden ihr Publikum an einem unwahrscheinlichen Ort: Joris-Karl Huysmans’ Roman À rebours (Gegen den Strich) von 1884 erwähnte Redons Zeichnungen namentlich, und die Aufmerksamkeit, die folgte, holte ihn aus relativer Unbekanntheit heraus. Das ist eine nützliche Tatsache, um Redons gesamte Laufbahn zu verstehen: Anerkannt wurde er zuerst von Schriftstellern und Symbolisten, die die Fremdheit seiner Bilder anzog, und gerade nicht von einem Kunstbetrieb, der für düstere Kohlezeichnungen wenig übrig hatte. Dieser Außenseiterstatus prägte, wie radikal sein späterer Wechsel zur Farbe wirken würde. Redons Noirs waren auch nie bloß Dunkelheit um ihrer selbst willen: Aus Kohle und Lithokreide baute er schwebende Augen, treibende Köpfe und halb menschliche, halb pflanzliche Figuren, allesamt Bilder, die dem Inneren eines Traums näher stehen als irgendetwas direkt Beobachtetem, und genau das ist die Sensibilität, die symbolistische Schriftsteller wie Huysmans als ihrer eigenen verwandt erkannten.

Die Wende: Wie aus einem Maler der Dunkelheit ein Maler der Blumen wurde

Alles änderte sich in den 1890er-Jahren, als Redon ernsthaft mit Pastell und Öl zu arbeiten begann. Das Metropolitan Museum of Art, das sein Vase of Flowers (Pink Background) von etwa 1905 bis 1906 besitzt, fasst den Wandel schlicht zusammen: „Nachdem er mehr als zwei Jahrzehnte fast ausschließlich in Schwarz-Weiß gearbeitet hatte, offenbarte Redon seine Gaben als Kolorist in den leuchtenden Pastellen und Gemälden, die er nach 1895 schuf.“ Um 1900 hatte er die Noirs völlig aufgegeben. Er war damals schon sechzig.

Was er stattdessen malte, waren Blumen, aber keine schlicht beobachteten. Die Kuratoren des Met selbst merken an, dass Redon echte, bestimmbare Blüten, Mohn, Kornblumen und Margeriten, aufmerksam studierte und sie dann „als fantasievolle Neuschöpfungen hervortreten“ ließ, „in juwelenartigen Farbflecken vor einem nebligen, unbestimmten Grund“, und oft Blumen, die in der Natur nie nebeneinander blühen, zu einem einzigen erdachten Strauß verband. Es ist beobachtete Botanik, durch die Vorstellung gefiltert statt von ihr kopiert, und deshalb fühlt sich ein Redon-Blumenbild bis heute eher wie ein Traum an als wie ein Stillleben, obwohl jede einzelne Blüte von etwas Echtem stammt. Redon selbst gab diesem Ansatz einen Namen, der sich zu merken lohnt: Er wollte „die Logik des Sichtbaren in den Dienst des Unsichtbaren stellen“.

Die Sammlungsnotizen des MoMA beschreiben seine späten Motive so: „die kleinen Schönheiten der Natur wie Schmetterlinge, Muscheln und Blumen als Gegenstände der Betrachtung“, eine Sprache, die zu den Blumenbildern passt, aber auch zeigt, wie beständig Redons späte Interessen waren: kein plötzlicher Schwenk zur Dekoration, sondern dieselbe kontemplative, suchende Aufmerksamkeit, die er einst auf die Dunkelheit der Kohle gerichtet hatte, jetzt auf Farbe gerichtet. Die Vasen selbst wechseln von Bild zu Bild, ein schlichter weißer Keramikkrug hier, eine reich gemusterte chinesische Vase dort, ein grober dunkler Steinguttopf in einem dritten, und Redon behandelt jedes Gefäß mit derselben Aufmerksamkeit wie die Blüten darin und lässt Form und Glasur das emotionale Register der ganzen Komposition bestimmen.

Vase of Flowers

Nasturtiums

Bouquet in a Chinese Vase

Was ein Blumenbild von Redon sammelwürdig macht

Redons späte Blumenperiode ist kurz und eng datiert, überwiegend 1900 bis 1914, was es leicht macht, ein bestimmtes Gemälde einzuordnen, aber dahinter liegt eine längere, seltsamere Laufbahn, die die meisten Bewunderer seiner Blumen nie zu sehen bekommen. Diese Kombination, mehr als zwanzig Jahre visionärer Dunkelheit, gefolgt von fünfzehn Jahren juwelenheller Farbe, ist unter großen Malern ungewöhnlich genug, dass du sie kennen solltest, bevor du einen Kunstdruck wählst, denn sie verändert, was die Farbe im Bild eigentlich tut. Hier malt kein Künstler, der schon immer so gearbeitet hat. Hier malt jemand, der sich das Recht auf diese Farbe über Jahrzehnte verdient hat.

Farbe als späte Entdeckung

Redon ging nicht den Weg vieler Maler, die mit Farbe beginnen und im Alter zu gedämpften Paletten finden. Er arbeitete umgekehrt: zuerst zwei Jahrzehnte Kohle, dann kam die Farbe spät und blieb leuchtend, und das ist ein Grund, warum seine Blumenbilder so ungebremst wirken.

Bestätigt von den Museen

Das Met, das MoMA und das Art Institute of Chicago besitzen alle mehrere Redon-Blumenbilder aus genau dieser Zeit, und das MoMA zeigte 2005 und 2006 mit Beyond the Visible eine große Retrospektive, die seine gesamte Bandbreite von den Noirs bis zu den Pastellen abdeckte.

Eine Brücke zum Surrealismus

Redons erdachte, traumhafte Kompositionen wurden 1913 auf der wegweisenden Armory Show in New York gezeigt und später von Surrealisten wie André Breton bewundert, was ihn zu einem der klareren Bindeglieder zwischen dem Symbolismus des neunzehnten und dem Surrealismus des zwanzigsten Jahrhunderts macht.

Zu Lebzeiten anerkannt

Redon wurde 1903 in die Ehrenlegion aufgenommen, etwa in der Mitte seiner Blumenperiode. Der späte Wechsel zur Farbe war also keine stille, unbemerkte Wendung, sondern eine öffentlich anerkannte Leistung, während er noch malte.

„Die Logik des Sichtbaren in den Dienst des Unsichtbaren stellen.“
— Odilon Redon

Kunstdrucke von Odilon Redon bei Kuriosis ansehen →

Einen Redon-Strauß lesen

Wer einmal weiß, worauf er achten muss, sieht das Muster in Redons Blumenbildern über die ganze späte Periode hinweg wiederkehren: eine locker angelegte Vase, oft nur ein paar sichere Striche, die einen Strauß verankert, der mehr Farben und mehr Blumenarten vereint, als jedes echte Arrangement auf einmal tragen könnte. Nasturtiums, die Kapuzinerkresse, treibt das am weitesten und löst die Vase fast völlig in ein Feld aus Orange und Grün auf, sodass das Bild zuerst als reine Farbe gelesen wird und erst auf den zweiten Blick überhaupt als erkennbarer Strauß. Bouquet in a Chinese Vase zieht in die andere Richtung und gibt dem Gefäß Gewicht und Muster, sodass die Blumen darüber wie eine Gabe wirken statt wie eine Studie.

Mit vierzig heiratete Redon Camille Falte, eine Kreolin aus dem heutigen Réunion, und arbeitete seine letzten zwei Jahrzehnte beständig in dieser Richtung, stellte regelmäßig aus und gewann jedes Jahr mehr Anerkennung, bis zu seinem Tod in Paris 1916. Sein Sohn Arï Redon half später, den Nachlass seines Vaters zu bewahren und zu ordnen, und schenkte schließlich umfangreiche Bestände an Gemälden und Papieren dem Musée d'Orsay und dem Louvre. Das ist ein Grund, warum so viel aus dieser späten, produktiven Zeit heute gut dokumentiert und in musealem Zustand erhalten ist, katalogisiert und datiert mit einer Präzision, die für einen Maler ungewöhnlich ist, der weitgehend außerhalb des kommerziellen Galeriesystems seiner Zeit arbeitete.

Es lohnt sich auch zu wissen, dass Redon die Tür zu seiner früheren Bildwelt nie ganz geschlossen hat, selbst auf dem Höhepunkt der Blumenperiode. Werke wie Der Zyklop, gemalt um 1914 und heute im Kröller-Müller Museum, zeigen ein riesiges, einäugiges Gesicht, das über einer liegenden, von Blumen umgebenen Figur aufragt. Der Beweis, dass der Künstler, der zwei Jahrzehnte lang zeichnete, was sich nicht sehen lässt, diesen Instinkt nicht einfach in Rente schickte, als er zum Pinsel griff. Das meiste, was wir bei Kuriosis führen, sitzt bequem in der rein floralen Hälfte dieses Spektrums, aber wer weiß, dass die seltsameren Arbeiten daneben existieren, liest selbst die geradlinigen Sträuße anders: als Farbe, gewählt von jemandem, der zwanzig Jahre lang bewiesen hatte, dass er sie nicht braucht.

Mehr Kunstdrucke von Odilon Redon aus unserer Kollektion:

Bouquet of Flowers

Flowers in a Vase

Large Vase with Flowers

Warum Kunstdrucke? Der Kuriosis-Ansatz

Jeden Redon fertigen wir in unserem Berliner Studio mit archivfesten Pigmenttinten, die auf über hundert Jahre ausgelegt sind, damit die leuchtenden Pastellfarben ihre Sättigung behalten, statt zu verblassen, wie es Originale auf Papier oft tun. In der Kollektion siehst du alle Rahmen und Größen für deinen Raum.