Odilon Redon : guide du collectionneur sur le père des rêves symbolist

Vase de fleurs d'Odilon Redon encadré en noir, près d'une fenêtre avec des plantes

Portrait d'artiste · 7 min de lecture · L'équipe du studio Kuriosis, Berlin · Août 2026

Odilon Redon a passé plus de vingt ans à travailler presque uniquement en noir avant de toucher à une seule peinture de fleurs. Comprendre cette période en noir et blanc, et pourquoi il l'a abandonnée, c'est ce qui fait de ses bouquets aux couleurs de joyaux bien plus que de jolies compositions florales, plus proches par l'esprit des dessins au fusain visionnaires qui les ont précédés que de toute tradition classique de la nature morte. Voici l'histoire complète derrière l'œuvre, et ce qu'il faut savoir avant de choisir un tirage d'art.

Vingt ans de noir : les « Noirs »

Redon est né Bertrand-Jean Redon en 1840 à Bordeaux, surnommé « Odilon » d'après sa mère Odile. Pendant à peu près les vingt premières années de sa carrière, de son service pendant la guerre franco-prussienne de 1870 à 1871 et bien au-delà, il a travaillé presque exclusivement au fusain et à la lithographie, un ensemble d'œuvres qu'il appelait ses noirs. Il ne se limitait pas par manque d'ambition. Comme le dit le Getty Museum, en citant Redon directement, le noir était pour lui « la couleur la plus essentielle », une couleur qui « tire son exaltation et sa vitalité du plus profond de notre sensibilité organique ». Il construisait ses noirs au fusain, à la pierre noire et au crayon Conté, en les superposant et en les travaillant pour tirer d'une seule couleur une gamme surprenante de tons et de textures.

Les noirs ont trouvé leur public dans un lieu inattendu : le roman de Joris-Karl Huysmans de 1884, À rebours, mentionnait les dessins de Redon, et l'attention qui a suivi l'a sorti d'une relative obscurité. C'est un fait utile pour comprendre toute la carrière de Redon : il a d'abord été reconnu par des écrivains et des symbolistes attirés par l'étrangeté de son imagerie, pas par un milieu de la peinture qui ne savait guère que faire de dessins au fusain sombres, et ce statut d'outsider a façonné le caractère radical de son passage ultérieur à la couleur. Les noirs de Redon n'ont jamais été non plus de l'obscurité pour elle-même : il a construit des yeux flottants, des têtes à la dérive et des figures mi-humaines, mi-végétales au fusain et au crayon lithographique, des images plus proches de l'intérieur d'un rêve que de tout ce qui s'observe directement, exactement la sensibilité que des écrivains symbolistes comme Huysmans ont reconnue comme proche de la leur.

Le tournant : comment un peintre des ténèbres est devenu un peintre de fleurs

Tout a changé dans les années 1890, quand Redon a commencé à travailler sérieusement au pastel et à l'huile. Le Metropolitan Museum of Art, qui conserve son Vase de fleurs (fond rose) d'environ 1905 à 1906, résume le basculement sans détour : « Après avoir travaillé presque exclusivement en noir et blanc pendant plus de vingt ans, Redon a révélé ses dons de coloriste dans les pastels et les peintures lumineuses qu'il a réalisés après 1895. » En 1900, il avait complètement abandonné les noirs. Il avait la soixantaine.

Ce qu'il a peint à la place, ce sont des fleurs, mais pas des fleurs observées de façon directe. Les conservateurs du Met notent eux-mêmes que Redon étudiait attentivement des fleurs réelles et identifiables, pavots, bleuets, marguerites, puis les laissait « émerger comme des recréations fantaisistes, en taches de couleur semblables à des joyaux sur un fond brumeux et indéfini », en combinant souvent dans un même bouquet imaginaire des fleurs qui ne poussent pas naturellement ensemble. C'est une botanique observée, filtrée par l'imagination plutôt que copiée par elle, et c'est pourquoi une peinture de fleurs de Redon reste plus proche d'un rêve que d'une nature morte, même si chaque fleur est tirée de quelque chose de réel. Redon lui-même a donné à cette approche un nom qui mérite d'être retenu : il voulait « mettre la logique du visible au service de l'invisible ».

Les notes de collection du MoMA décrivent ses sujets tardifs comme prenant « les petites beautés de la nature, papillons, coquillages et fleurs, comme objets de contemplation », une formule qui convient aux peintures de fleurs mais qui signale aussi la constance des intérêts tardifs de Redon : pas un virage soudain vers la décoration, mais la même attention contemplative et scrutatrice qu'il avait un jour dirigée vers l'obscurité du fusain, tournée maintenant vers la couleur. Les vases eux-mêmes varient d'un tableau à l'autre, une simple cruche en céramique blanche dans l'un, un vase chinois orné dans un autre, un pot en terre sombre et rugueuse dans un troisième, et Redon traite chaque récipient avec autant d'attention que les fleurs qu'il contient, laissant sa forme et son émail donner le registre émotionnel de toute la composition.

Vase of Flowers Painting par Odilon Redon

Nasturtiums Painting par Odilon Redon

Bouquet dans un vase chinois d'Odilon Redon

Bouquet in a Chinese Vase Painting par Odilon Redon

Ce qui fait la valeur d'une peinture de fleurs d'Odilon Redon pour un collectionneur

La période florale tardive de Redon est courte et bien datée, surtout de 1900 à 1914, ce qui facilite la mise en contexte d'un tableau donné, mais elle repose aussi sur une carrière plus longue et plus étrange que la plupart des admirateurs occasionnels ne voient jamais. Cette combinaison, plus de vingt ans d'obscurité visionnaire suivis de quinze ans de couleur éclatante, est assez inhabituelle chez les grands peintres pour mériter d'être connue avant de choisir un tirage d'art, parce qu'elle change ce que la couleur fait réellement dans l'image. Ce n'est pas la couleur d'un artiste qui a toujours peint ainsi ; c'est la couleur de quelqu'un qui a passé des décennies à gagner le droit de l'utiliser.

La couleur comme découverte tardive

Redon n'a pas commencé par la couleur pour aller ensuite vers le noir, comme beaucoup de peintres qui glissent avec l'âge vers des palettes plus sourdes. Il a fait l'inverse : deux décennies de fusain d'abord, puis la couleur est arrivée tard et est restée vive, ce qui explique en partie pourquoi ses peintures de fleurs semblent si libres.

Une reconnaissance muséale

Le Met, le MoMA et l'Art Institute of Chicago conservent tous plusieurs peintures de fleurs de Redon de cette période précise, et le MoMA a organisé une grande rétrospective, Beyond the Visible, en 2005 et 2006, couvrant tout son parcours, des noirs aux pastels.

Un pont vers le surréalisme

Les compositions imaginaires et oniriques de Redon ont été montrées au célèbre Armory Show de New York en 1913, puis admirées par des surréalistes dont André Breton, ce qui fait de lui l'un des liens les plus nets entre le symbolisme du XIXe siècle et le surréalisme du XXe.

Reconnu de son vivant

Redon a reçu la Légion d'honneur en 1903, à peu près au milieu de sa période florale, de sorte que le passage tardif à la couleur n'a pas été un tournant privé et ignoré, mais une réussite reconnue publiquement alors qu'il peignait encore.

« Mettre la logique du visible au service de l'invisible. »
— Odilon Redon

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Lire un bouquet de Redon

Une fois qu'on sait quoi chercher, le schéma des peintures de fleurs de Redon se répète sur toute la période tardive : un vase esquissé librement, souvent en quelques traits assurés, qui ancre un bouquet rassemblant plus de couleurs et plus d'espèces de fleurs qu'aucun arrangement réel ne pourrait contenir à la fois. Capucines pousse cela le plus loin, dissolvant presque entièrement le vase dans un champ d'orange et de vert, de sorte que le tableau se lit d'abord comme de la couleur pure et seulement ensuite, en regardant mieux, comme un bouquet reconnaissable. Bouquet dans un vase chinois tire dans l'autre sens, donnant au récipient un vrai poids et un vrai motif, de sorte que les fleurs au-dessus se lisent comme une offrande plutôt que comme une étude.

Marié à quarante ans à Camille Falte, une Créole originaire de l'actuelle Réunion, Redon a passé ses deux dernières décennies à travailler régulièrement dans cette veine, exposant souvent et gagnant chaque année en reconnaissance, jusqu'à sa mort à Paris en 1916. Son fils Arï Redon a ensuite aidé à préserver et à organiser les archives de son père, finissant par donner des ensembles importants de peintures et de papiers au musée d'Orsay et au Louvre, ce qui explique en partie pourquoi une si grande part de cette période tardive et prolifique survit aujourd'hui dans un état documenté, digne d'un musée, catalogué et daté avec une précision inhabituelle pour un peintre travaillant largement en dehors du système des galeries commerciales de son temps.

Il faut aussi savoir que Redon n'a jamais tout à fait fermé la porte à son imagerie antérieure, même au sommet de la période florale. Des œuvres comme Le Cyclope, peint vers 1914 et aujourd'hui au musée Kröller-Müller, montrent un visage géant à l'œil unique penché sur une figure allongée entourée de fleurs, preuve que l'artiste qui avait passé vingt ans à dessiner ce qui ne se voit pas n'a pas simplement rangé cet instinct en prenant un pinceau. L'essentiel de ce que Kuriosis propose se situe confortablement dans la moitié purement florale de ce spectre, mais savoir que l'œuvre plus étrange existe à côté change la façon de lire même les bouquets les plus simples : comme une couleur choisie par quelqu'un qui avait passé vingt ans à prouver qu'il n'en avait pas besoin.

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Bouquet of Flowers par Odilon Redon

Flowers in a Vase Painting par Odilon Redon

Large Vase with Flowers Painting par Odilon Redon

Pourquoi des tirages d'art ? L'approche Kuriosis

Nous produisons chaque Redon dans notre atelier berlinois avec des encres pigmentaires d'archivage conçues pour durer plus de cent ans, pour que les couleurs vives du pastel gardent leur saturation au lieu de pâlir comme le font souvent les originaux sur papier. Parcours la collection complète pour voir les encadrements et les formats adaptés à ton intérieur.