Quadri di Klimt: guida per collezionisti al maestro dell'età d'oro di

Il bacio di Gustav Klimt con cornice in rovere, appeso in un soggiorno soleggiato accanto a una pianta alta

Ritratto d'artista · 8 min di lettura · Team dello studio Kuriosis, Berlino · agosto 2026

Tra i quadri di Klimt, quelli in foglia d'oro occupano meno di quindici anni di lavoro, eppure da quegli anni è uscito il dipinto più riconoscibile che Vienna abbia mai prodotto. Il suo nome è ormai sinonimo di un'intera estetica (oro, motivi decorativi, ornamento steso sulla figura umana), ma la storia dietro quell'estetica è più strana e meglio documentata di quanto la formula lasci intendere: il figlio di un povero incisore d'oro, uno scandalo che fece rifiutare la sua opera più ambiziosa, e un corpus di dipinti oggi disperso tra grandi musei e mani private che la maggior parte dei collezionisti non vedrà mai di persona. Se ti attira Il bacio, o l'artista che c'è dietro, ecco cosa rende il suo lavoro, e quella storia, degni di essere conosciuti prima di scegliere una stampa d'arte.

Da figlio di un incisore d'oro alla Secessione viennese

Klimt nacque nel 1862 a Baumgarten, vicino a Vienna, secondo di sette figli in una famiglia che viveva in vera povertà. Il padre, Ernst Klimt il Vecchio, lavorava come incisore d'oro, un mestiere che i biografi hanno a lungo indicato come l'origine della successiva ossessione del figlio per la foglia d'oro. Dal 1876 al 1883 Klimt studiò alla Kunstgewerbeschule di Vienna (Scuola di arti applicate) e poco dopo formò la «Künstlercompagnie» con il fratello Ernst e il compagno di studi Franz von Matsch, realizzando murali decorativi per edifici pubblici in tutta la città, tra cui il Burgtheater, un lavoro che nel 1888 gli valse la Croce d'oro al merito dell'imperatore Francesco Giuseppe I.

Nel 1897 Klimt fu tra i fondatori e primo presidente della Secessione viennese, il movimento che staccò l'arte austriaca dall'accademia conservatrice sotto il motto «A ogni epoca la sua arte, a ogni arte la sua libertà». La guidò per quasi un decennio prima di separarsene nel 1906 per formare un gruppo rivale, la Kunstschau. Fu in questo periodo, libero dalle aspettative istituzionali, che prese forma il suo lavoro più ambizioso e controverso: la commissione, dal 1894 al 1907, per i dipinti delle Facoltà dell'Università di Vienna, tre grandi tele intitolate Filosofia, Medicina e Giurisprudenza, fu bollata dai critici come oscena e non venne mai installata nell'aula magna per cui era stata creata.

Quelle tre tele furono distrutte completamente in un incendio allo Schloss Immendorf nel 1945, appiccato dalle truppe in ritirata verso la fine della Seconda guerra mondiale. È una delle grandi perdite della pittura di inizio Novecento, e significa che i dipinti delle Facoltà sopravvivono oggi solo attraverso schizzi preparatori e un piccolo numero di fotografie. Una figura, però, è documentata molto meglio delle altre: Hygieia (Igea), la dea greca della salute, che stava al centro del pannello della Medicina. Il suo aspetto sopravvive grazie a una fotografia in bianco e nero scattata al dipinto finito poco prima della distruzione, e a una tavola a colori pubblicata in una monografia su Klimt del 1931. È quella testimonianza a colori, e non una tela superstite, il motivo per cui Hygieia può ancora essere riprodotta con la stessa nitidezza di qualsiasi altra opera del periodo d'oro: un piccolo frammento di un dipinto distrutto tenuto in vita soltanto dalla riproduzione.

Il periodo d'oro: Ravenna, i mosaici bizantini e un nuovo modo di dipingere le donne

Quella che i collezionisti chiamano oggi il «periodo d'oro» di Klimt (all'incirca dal 1898 al 1911) iniziò con Pallade Atena nel 1898, ma la sua tecnica prese forma soltanto con Giuditta, dipinta nel 1901 e oggi conservata al Belvedere di Vienna, che possiede la più grande collezione di dipinti di Klimt al mondo. Fu il primo uso sostanziale di vera foglia d'oro nella pittura a olio da parte di Klimt, applicata con una tecnica chiamata doratura a olio: la foglia d'oro viene stesa su un fondo adesivo, poi ridipinta in modo selettivo con il pigmento per costruire il motivo a strati. Il Belvedere, che cataloga il dipinto nel database della sua collezione, lo descrive come la trasformazione della vedova biblica in «un'erotica femme fatale», con gli occhi semichiusi che mettono in scena quella che i curatori chiamano «una battaglia dei sessi».

Lo stile maturò del tutto dopo un viaggio a Ravenna nel dicembre 1903, dove Klimt vide i mosaici d'oro bizantini nella basilica di San Vitale, pareti millenarie coperte dal pavimento al soffitto di figure appiattite e scintillanti, senza alcun interesse per la profondità o l'ombra. Tornò a casa e cominciò a dipingere allo stesso modo. La Neue Galerie New York, che oggi possiede il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, descrive la superficie d'oro e d'argento di quel dipinto come costruita da «zone simili a gioielli che ricordano pietre semipreziose», un'eco diretta di ciò che Klimt aveva visto a Ravenna. Adele Bloch-Bauer ha un altro primato: è l'unica persona che Klimt abbia mai dipinto due volte in un ritratto a figura intera, una prima volta nel 1907, al culmine del periodo d'oro, e di nuovo nel 1912 in uno stile sensibilmente diverso e più colorato. Il dipinto del 1907 ha una storia propria ben documentata: confiscato dai nazisti nel 1938, esposto per decenni sotto il titolo deliberatamente anonimo di «Woman in Gold» per nascondere i suoi precedenti proprietari ebrei, e restituito agli eredi Bloch-Bauer solo dopo la storica decisione di restituzione del gennaio 2006, quando fu acquistato per la Neue Galerie da Ronald S. Lauder per una somma allora record.

The Kiss

Danae

Hygieia

Cosa dà valore oggi a una stampa d'arte di Klimt

I dipinti originali di Klimt non arrivano quasi mai sul mercato, e quando emergono frammenti del suo archivio attirano l'attenzione dei musei più che la vendita privata. Quella scarsità è esattamente il motivo per cui esistono le stampe per un negozio come il nostro: il senso non è riprodurre qualcosa che potresti comunque comprare, è portare davvero su una parete un pugno di immagini precise e cariche di storia dell'arte, invece di guardarle solo in un libro o dietro il vetro di un museo durante un viaggio a Vienna. Vale la pena sapere alcune cose prima di scegliere quale.

Un periodo breve e irripetibile

Il periodo d'oro va all'incirca dal 1898 al 1911, circa tredici anni in una carriera di oltre tre decenni. Klimt non vi fece mai pienamente ritorno dopo il 1911, ed è in parte per questo che proprio questi dipinti (Il bacio, Danae e Hygieia tra gli altri) sono trattati come un corpus distinto e delimitato, non come uno stile tra tanti.

Non tutto è in un museo

Il bacio e Giuditta sono al Belvedere. Danae no: resta nella collezione privata di una famiglia austriaca, a differenza della maggior parte delle grandi opere del periodo d'oro di Klimt. Quel divario tra ciò che si può vedere pubblicamente e ciò che non si può è esattamente il motivo per cui una stampa ben fatta conta per i collezionisti che vogliono l'immagine quando l'originale è fuori portata.

La provenienza come parte della storia

Diversi Klimt importanti, tra cui Adele Bloch-Bauer I e Mäda Primavesi, furono confiscati sotto l'occupazione nazista e restituiti alle famiglie solo più tardi. Possedere una stampa di queste opere significa possedere un pezzo di quella storia documentata, non solo l'immagine.

Una tecnica che si vede

La doratura a olio di Klimt, foglia d'oro stratificata sotto e sopra la pittura, è il motivo per cui il suo lavoro del periodo d'oro si fotografa e si riproduce in modo così riconoscibile. Una buona stampa conserva quel luccichio invece di appiattirlo in un semplice tono metallico.

«Come soggetto di un dipinto mi interesso meno a me stesso che alle altre persone, soprattutto alle donne.»
— Gustav Klimt

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Oltre Il bacio: i paesaggi, i quadri più silenziosi di Klimt

Klimt dipinse più paesaggi di quanto la maggior parte delle persone immagini, quasi tutti in formato quadrato, una rottura deliberata con le tele alte e figurative per cui è più conosciuto. Quasi tutti furono dipinti durante le estati passate con la compagna di una vita, Emilie Flöge, e la sua famiglia sull'Attersee, lontano dalle politiche espositive e dalle commissioni di ritratti di Vienna. Nel lavoro si vede: i dipinti dell'Attersee lasciano che l'acqua riempia quasi tutta la tela con una pennellata sciolta e a tocchi, più vicina all'Impressionismo di qualsiasi cosa nel periodo d'oro, dipinti da una barca a remi e non in uno studio. Bosco di faggi (Beech Grove), oggi conservato all'Albertinum di Dresda e non a Vienna, applica la stessa superficie densa e decorata che usava nei ritratti d'oro al suolo di una foresta invece che a un corpo, sostituendo la foglia d'oro con un mosaico di ocra e blu.

Kirche in Cassone, dipinto nel 1913, porta con sé un piccolo mistero: la chiesa esatta raffigurata, San Biagio sul lago di Garda, è stata identificata da uno storico dell'arte solo nel 2010, quasi un secolo dopo che Klimt l'aveva dipinta e molto tempo dopo che il luogo era svanito dalla memoria pubblica. Per un collezionista questi paesaggi offrono qualcosa che i ritratti dorati non danno: un registro dello stesso artista più calmo e più facile da mettere in una stanza, ancora inconfondibilmente suo nella densità e nei motivi, senza bisogno di un soggetto mitologico per giustificare il proprio posto su una parete.

Altre stampe di Gustav Klimt dalla nostra collezione:

Attersee

Beech Grove

Kirche in Cassone

Perché stampe d'arte? L'approccio Kuriosis

Produciamo ogni stampa d'arte di Klimt nel nostro studio di Berlino con inchiostri a pigmenti d'archivio stimati per oltre cento anni, così i toni dell'oro reggono invece di sbiadire e appiattirsi. Sfoglia la collezione completa per vedere cornici e formati per il tuo spazio.