Odilon Redon: guida per collezionisti al padre dei sogni simbolisti

Vaso di fiori di Odilon Redon con cornice nera, appeso vicino a una finestra con piante

Ritratto d'artista · 7 min di lettura · Team dello studio Kuriosis, Berlino · agosto 2026

Odilon Redon ha lavorato per più di vent'anni quasi interamente in nero prima ancora di avvicinarsi a un dipinto di fiori. Capire quel periodo in bianco e nero, e perché lo abbandonò, è ciò che rende i suoi bouquet dai colori di gemma molto più di graziosi quadri floreali, più vicini nello spirito ai disegni a carboncino visionari che li precedettero che a qualsiasi tradizione convenzionale di natura morta. Ecco la storia completa dietro queste opere, e cosa sapere prima di scegliere una stampa d'arte.

Due decenni in nero: i «noirs»

Redon nacque Bertrand-Jean Redon nel 1840 a Bordeaux, soprannominato «Odilon» dal nome della madre Odile. Per circa i primi vent'anni di attività, che comprendono il servizio nella guerra franco-prussiana dal 1870 al 1871 e vanno ben oltre, lavorò quasi esclusivamente a carboncino e litografia, un corpus che lui stesso chiamava i suoi noirs. Non si stava limitando per mancanza di ambizione. Come scrive il Getty Museum citando Redon direttamente, il nero era per lui «il colore più essenziale», un colore che «trae la sua eccitazione e vitalità dal profondo della nostra sensibilità organica». Costruì i suoi noirs con carboncino, gessetto nero e matita Conté, stratificandoli e manipolandoli per tirare fuori da un solo colore una gamma sorprendente di toni e texture.

I noirs trovarono il loro pubblico in un luogo improbabile: il romanzo À rebours (Controcorrente) di Joris-Karl Huysmans, del 1884, citava i disegni di Redon, e l'attenzione che ne seguì lo tirò fuori da una relativa oscurità. È un fatto utile per capire l'intera carriera di Redon: fu riconosciuto prima dagli scrittori e dai simbolisti attratti dalla stranezza delle sue immagini, non da un establishment pittorico che sapesse che farsene di cupi disegni a carboncino, e quella condizione di outsider determinò quanto radicale sarebbe apparso il suo successivo passaggio al colore. E i noirs di Redon non furono mai semplice oscurità fine a se stessa: costruì occhi fluttuanti, teste alla deriva e figure metà umane e metà vegetali con carboncino e matita litografica, immagini più vicine all'interno di un sogno che a qualsiasi cosa osservata direttamente, che è esattamente la sensibilità che scrittori simbolisti come Huysmans riconobbero come affine alla propria.

La svolta: come un pittore dell'oscurità diventò un pittore di fiori

Tutto cambiò negli anni 1890, quando Redon cominciò a lavorare seriamente a pastello e a olio. Il Metropolitan Museum of Art, che conserva il suo Vaso di fiori (sfondo rosa) del 1905–1906 circa, inquadra il cambiamento senza giri di parole: «Dopo aver lavorato quasi esclusivamente in bianco e nero per più di due decenni, Redon rivelò le sue doti di colorista nei pastelli e nei dipinti luminosi realizzati dopo il 1895». Nel 1900 aveva abbandonato completamente i noirs. Aveva più di sessant'anni.

Al loro posto dipinse fiori, ma non fiori semplicemente osservati. I curatori stessi del Met notano che Redon studiava con attenzione fiori reali e identificabili (papaveri, fiordalisi, margherite), poi li lasciava «emergere come fantasiose ri-creazioni, in chiazze di colore simili a gioielli su un campo nebbioso e indefinito», spesso combinando in un unico bouquet immaginario fiori che in natura non crescono insieme. È botanica osservata filtrata dall'immaginazione, non replicata da essa, ed è per questo che un dipinto di fiori di Redon sembra ancora più vicino a un sogno che a una natura morta, anche se ogni singolo fiore è tratto da qualcosa di reale. Redon stesso diede a questo approccio un nome che vale la pena ricordare: voleva «mettere la logica del visibile al servizio dell'invisibile».

Le note della collezione del MoMA dicono che nei suoi soggetti tardi Redon prese «le piccole bellezze della natura, come farfalle, conchiglie e fiori, come oggetti di contemplazione», un linguaggio che si adatta ai dipinti di fiori ma segnala anche quanto fossero coerenti gli interessi tardi di Redon: non una svolta improvvisa verso la decorazione, ma la stessa attenzione contemplativa e indagatrice che un tempo aveva puntato sull'oscurità del carboncino, ora puntata sul colore. I vasi stessi variano da dipinto a dipinto (una semplice brocca di ceramica bianca in uno, un vaso cinese ornato in un altro, un rozzo vaso di terracotta scura in un terzo), e Redon tratta ogni contenitore con la stessa attenzione dei fiori che contiene, lasciando che forma e smalto fissino il registro emotivo dell'intera composizione.

Vase of Flowers

Nasturtiums

Bouquet in a Chinese Vase

Cosa rende un dipinto di fiori di Redon degno di una collezione

Il periodo floreale tardo di Redon è breve e datato con precisione, per lo più dal 1900 al 1914, il che rende facile collocare un dato dipinto nel suo contesto, ma poggia anche su una carriera più lunga e più strana che la maggior parte degli ammiratori occasionali non vede mai. Quella combinazione (oltre vent'anni di oscurità visionaria seguiti da quindici anni di colore brillante come una gemma) è abbastanza insolita tra i grandi pittori da meritare di essere conosciuta prima di scegliere una stampa d'arte, perché cambia ciò che il colore fa davvero nel quadro. Non è il colore di un artista che ha sempre dipinto così; è il colore di qualcuno che ha passato decenni a guadagnarsi il diritto di usarlo.

Il colore come scoperta tardiva

Redon non partì dal colore per semplificare verso il nero, come molti pittori che invecchiando passano a tavolozze smorzate. Fece il contrario: prima due decenni di carboncino, poi il colore arrivò tardi e rimase vivido, ed è in parte per questo che i suoi dipinti di fiori sembrano così liberi.

Riconoscimento a livello museale

Il Met, il MoMA e l'Art Institute of Chicago conservano tutti più dipinti di fiori di Redon di questo preciso periodo, e il MoMA gli ha dedicato una grande retrospettiva, Beyond the Visible, nel 2005 e nel 2006, che copriva tutta la sua gamma dai noirs ai pastelli.

Un ponte verso il Surrealismo

Quelle composizioni immaginarie e oniriche furono esposte all'Armory Show del 1913 a New York, una mostra che fece epoca, e in seguito ammirati dai surrealisti, André Breton compreso: questo fa di lui uno dei legami più chiari tra il Simbolismo del XIX secolo e il Surrealismo del XX.

Riconosciuto in vita

Redon ricevette la Legion d'onore nel 1903, circa a metà del suo periodo floreale, quindi la svolta tarda verso il colore non fu un cambiamento privato e inosservato, ma un risultato riconosciuto pubblicamente mentre dipingeva ancora.

«Mettere la logica del visibile al servizio dell'invisibile.»
— Odilon Redon

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Leggere un bouquet di Odilon Redon

Una volta che sai cosa cercare, lo schema nei dipinti di fiori di Redon si ripete per tutto il periodo tardo: un vaso reso in modo sommario, spesso solo poche pennellate sicure, a reggere un bouquet con più colori e più specie di fiori di quanti qualsiasi composizione reale potrebbe tenere insieme. Nasturzi (Nasturtiums) spinge tutto questo al massimo, dissolvendo il vaso quasi del tutto in un campo di arancione e verde, così che il dipinto si legge prima come puro colore e solo in un secondo momento, guardando meglio, come un bouquet riconoscibile. Bouquet in un vaso cinese (Bouquet in a Chinese Vase) va nella direzione opposta, dando al contenitore peso e decorazione reali, così che i fiori sopra si leggono come un'offerta e non come uno studio.

Sposato a quarant'anni con Camille Falte, una donna creola originaria di quella che oggi è l'isola della Riunione, Redon passò i suoi ultimi due decenni lavorando con costanza in questa vena, esponendo regolarmente e guadagnando ogni anno un riconoscimento più ampio, fino alla morte a Parigi nel 1916. Il figlio Arï Redon aiutò più tardi a conservare e ordinare l'archivio del padre, donando infine consistenti nuclei di dipinti e documenti del padre al Musée d'Orsay e al Louvre, ed è in parte per questo che così tanto di questo periodo tardo e prolifico sopravvive oggi ben documentato e in condizioni da museo, catalogato e datato con una precisione insolita per un pittore che lavorava in gran parte fuori dal sistema delle gallerie commerciali del suo tempo.

Vale anche la pena sapere che Redon non chiuse mai del tutto la porta alle sue immagini precedenti, nemmeno al culmine del periodo floreale. Opere come Il Ciclope, dipinto intorno al 1914 e oggi al Kröller-Müller Museum, mostrano un volto gigantesco con un solo occhio che incombe su una figura distesa circondata da fiori, prova che l'artista che aveva passato due decenni a disegnare ciò che non si poteva vedere non mandò semplicemente in pensione quell'istinto quando prese in mano un pennello. La maggior parte di ciò che proponiamo da Kuriosis sta comodamente nella metà puramente floreale di quello spettro, ma sapere che accanto esiste anche il lavoro più strano cambia il modo in cui leggi anche i bouquet più semplici: come colore scelto da qualcuno che aveva passato vent'anni a dimostrare di non averne bisogno.

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Flowers in a Vase

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Perché stampe d'arte? L'approccio Kuriosis

Produciamo ogni stampa d'arte di Redon nel nostro studio di Berlino con inchiostri a pigmenti d'archivio stimati per oltre cento anni, così i vividi colori pastello mantengono la loro saturazione invece di sbiadire come spesso fanno gli originali su carta. Sfoglia la collezione completa per vedere cornici e formati per il tuo spazio.