De schilderijen van Klimt: een verzamelaarsgids over de meester van he

De kus van Gustav Klimt in een eiken lijst, in een zonnige woonkamer naast een hoge plant

Artist Spotlight · 8 min leestijd · Kuriosis Studio Team, Berlijn · augustus 2026

Gustav Klimt werkte minder dan vijftien jaar met bladgoud, en toch leverden die jaren het meest herkenbare schilderij op dat ooit uit Wenen kwam. Zijn naam staat inmiddels voor een hele esthetiek (goud, patroon, ornament over de menselijke figuur gelegd), maar het verhaal erachter is vreemder en beter gedocumenteerd dan die samenvatting doet vermoeden: de zoon van een arme goudgraveur, een schandaal waardoor zijn ambitieuste werk werd afgewezen, en een reeks schilderijen die vandaag verspreid is over grote musea en privéverzamelingen die de meeste verzamelaars nooit in het echt zullen zien. Trekt De kus je aan, of de kunstenaar erachter, dan lees je hier waarom zijn werk, en dat verhaal, het kennen waard zijn voordat je een print kiest.

Van zoon van een goudgraveur tot de Weense Secession

Klimt werd in 1862 geboren in Baumgarten, bij Wenen, als tweede van zeven kinderen in een gezin dat in echte armoede opgroeide. Zijn vader, Ernst Klimt senior, werkte als goudgraveur, een ambacht waar biografen al lang naar wijzen als de oorsprong van de latere obsessie van zijn zoon met bladgoud. Van 1876 tot 1883 studeerde Klimt aan de Weense Kunstgewerbeschule (school voor toegepaste kunst), en kort daarna richtte hij met zijn broer Ernst en medestudent Franz von Matsch de “Künstlercompagnie” op, die decoratieve muurschilderingen maakte voor openbare gebouwen in de hele stad, waaronder het Burgtheater, werk dat hem in 1888 het Gouden Verdienstkruis van keizer Frans Jozef I opleverde.

In 1897 was Klimt medeoprichter en eerste voorzitter van de Weense Secession, de beweging die de Oostenrijkse kunst losmaakte van de conservatieve academie, onder het motto “Aan elke tijd zijn kunst, aan elke kunst haar vrijheid”. Hij leidde de beweging bijna tien jaar, tot hij zich in 1906 afsplitste en een concurrerende groep vormde, de Kunstschau. In deze periode, bevrijd van institutionele verwachtingen, kreeg zijn ambitieuste en meest omstreden werk vorm: zijn opdracht van 1894 tot 1907 voor de Faculteitsschilderijen van de Universiteit van Wenen, drie grote doeken met de titels Filosofie, Geneeskunde en Rechtsgeleerdheid, werd door critici als obsceen bestempeld en nooit aangebracht in de aula van de universiteit waarvoor ze bedoeld waren.

Die drie doeken gingen in 1945 volledig verloren bij een brand in Schloss Immendorf, aangestoken door terugtrekkende troepen tegen het einde van de Tweede Wereldoorlog. Het is een van de grote verliezen in de schilderkunst van de vroege twintigste eeuw, en het betekent dat de Faculteitsschilderijen vandaag alleen voortleven in voorstudies en een klein aantal foto's. Eén figuur is echter veel beter gedocumenteerd dan de rest: Hygieia, de Griekse godin van de gezondheid, die in het midden van het paneel Geneeskunde stond. Haar beeltenis is bewaard via een zwart-witfoto van het voltooide schilderij, kort voor de vernietiging genomen, en via een kleurenplaat in een Klimt-monografie uit 1931. Dat kleurendocument, en niet een bewaard doek, is de reden dat Hygieia vandaag nog net zo helder gereproduceerd kan worden als elk ander werk uit de Gouden Periode: een klein stuk van een verloren schilderij, alleen door reproductie in leven gehouden.

De Gouden Periode: Ravenna, Byzantijnse mozaïeken en een nieuwe manier om vrouwen te schilderen

Wat verzamelaars nu Klimts “Gouden Periode” noemen (ongeveer 1898 tot 1911) begon in 1898 met Pallas Athene, maar het technische fundament kwam met Judith, geschilderd in 1901 en nu in het bezit van het Belvedere in Wenen, dat de grootste verzameling Klimt-schilderijen ter wereld bezit. Het was Klimts eerste substantiële gebruik van echt bladgoud in de olieverfschilderkunst, aangebracht met een techniek die olievergulden heet: bladgoud op een kleeflaag gelegd en daarna selectief overschilderd met pigment om in lagen patroon op te bouwen. Het Belvedere, dat het schilderij in zijn collectiedatabase beschrijft, beschrijft hoe het de bijbelse weduwe verandert in “een erotische femme fatale”, met halfgesloten ogen die in scène zetten wat conservatoren “een strijd tussen de seksen” noemen.

De stijl kwam volledig tot wasdom na een reis naar Ravenna in december 1903, waar Klimt de Byzantijnse goudmozaïeken in de kerk San Vitale zag: duizend jaar oude muren, van vloer tot plafond bedekt met afgeplatte, glinsterende figuren zonder enige belangstelling voor diepte of schaduw. Hij kwam thuis en begon op dezelfde manier te schilderen. De Neue Galerie New York, nu eigenaar van Portret van Adele Bloch-Bauer I, beschrijft het goud- en zilveroppervlak van dat schilderij als opgebouwd uit “juweelachtige vlakken die op halfedelstenen lijken”, een directe echo van wat Klimt in Ravenna zag. Adele Bloch-Bauer heeft nog een bijzonderheid: zij is de enige persoon die Klimt ooit twee keer ten voeten uit portretteerde, in 1907 op het hoogtepunt van de Gouden Periode en opnieuw in 1912 in een merkbaar andere, kleurrijkere stijl. Het schilderij uit 1907 heeft zijn eigen goed gedocumenteerde geschiedenis: in 1938 door de nazi's in beslag genomen, decennialang tentoongesteld onder de bewust anonieme titel “Woman in Gold” om de vroegere Joodse eigenaren te verhullen, en pas na een baanbrekende restitutie-uitspraak in januari 2006 teruggegeven aan de erfgenamen Bloch-Bauer, waarna Ronald S. Lauder het voor een toen recordbedrag aankocht voor de Neue Galerie.

The Kiss

Danae

Hygieia

Wat Klimt-schilderijen als print vandaag waardevol maakt

Originele schilderijen van Klimt komen bijna nooit op de markt, en als er al fragmenten uit zijn archief opduiken, trekken die de aandacht van musea in plaats van privékopers. Die schaarste is precies waarom prints bestaan voor een winkel als de onze: het gaat er niet om iets te reproduceren dat je anders zou kunnen kopen, maar om een handvol specifieke, kunsthistorisch beladen beelden beschikbaar te maken om echt op te hangen, in plaats van ze alleen in een boek te bekijken of achter museumglas op een reis naar Wenen. Een paar dingen zijn goed om te weten voordat je er een kiest.

Een korte, onherhaalbare periode

De Gouden Periode loopt van ongeveer 1898 tot 1911, grofweg dertien jaar binnen een loopbaan van meer dan drie decennia. Klimt keerde er na 1911 nooit volledig naar terug, en dat is deels waarom juist deze schilderijen, waaronder De kus, Danaë en Hygieia, als een afgebakend, op zichzelf staand geheel worden gezien in plaats van als één stijl onder vele.

Niet alles hangt in een museum

De kus en Judith hangen in het Belvedere. Danaë niet: het blijft in de privécollectie van een Oostenrijkse familie, anders dan de meeste grote werken uit Klimts Gouden Periode. Die kloof tussen wat openbaar te zien is en wat niet, is precies waarom een goed gemaakte print telt voor verzamelaars die het beeld willen zonder de onmogelijkheid van het origineel.

Herkomst als deel van het verhaal

Verschillende grote Klimts, waaronder Adele Bloch-Bauer I en Mäda Primavesi, werden onder de nazibezetting in beslag genomen en pas later aan hun families teruggegeven. Wie een print van deze werken bezit, bezit een stuk van die gedocumenteerde geschiedenis, en niet alleen het beeld.

Techniek die je kunt zien

Klimts olievergulden, bladgoud in lagen onder en over de verf, is de reden dat zijn werk uit de Gouden Periode op foto's en in reproducties zo onmiskenbaar overkomt. Een goede print houdt die glans vast in plaats van hem plat te slaan tot een gewone metaaltint.

“Ik ben minder geïnteresseerd in mijzelf als onderwerp van een schilderij dan in andere mensen, vooral vrouwen.”
— Gustav Klimt

Bekijk Gustav Klimt-prints bij Kuriosis →

Voorbij De kus: de stillere landschappen van Klimt

Klimt schilderde meer landschappen dan de meeste mensen beseffen, bijna allemaal in vierkant formaat, een bewuste breuk met de hoge, figuratieve doeken waar hij het bekendst om is. Vrijwel elk ervan ontstond in de zomers die hij met zijn levensgezellin Emilie Flöge en haar familie aan de Attersee doorbracht, weg van de Weense tentoonstellingspolitiek en portretopdrachten. Dat zie je aan het werk: de Attersee-schilderijen laten het water bijna het hele doek vullen in losse, gestippelde penseelstreken die dichter bij het impressionisme liggen dan wat ook uit de Gouden Periode, geschilderd vanuit een roeiboot in plaats van een atelier. Beukenbos, tegenwoordig in het Albertinum in Dresden en niet in Wenen, past hetzelfde dichte, patroonrijke oppervlak van zijn gouden portretten toe op een bosbodem in plaats van een lichaam, en ruilt bladgoud in voor een mozaïek van oker en blauw.

Kirche in Cassone, geschilderd in 1913, heeft zijn eigen kleine mysterie: de precieze kerk die erop staat, San Biagio aan het Gardameer, werd pas in 2010 door een kunsthistoricus geïdentificeerd, bijna een eeuw nadat Klimt haar schilderde en lang nadat de locatie uit het collectieve geheugen was verdwenen. Voor een verzamelaar bieden deze landschappen iets wat de gouden portretten niet bieden: een rustiger, kamervriendelijker register van dezelfde kunstenaar, nog altijd onmiskenbaar van hem in dichtheid en patroon, zonder een mythologisch onderwerp nodig te hebben om zijn plek aan de muur te rechtvaardigen.

Meer prints van Gustav Klimt uit onze collectie:

Attersee

Beech Grove

Kirche in Cassone

Waarom kunstprints? De aanpak van Kuriosis

Elke Klimt maken we zelf in onze Berlijnse studio, met archiefpigmentinkten die meer dan honderd jaar meegaan, zodat de goudtinten standhouden in plaats van flets te worden. Bekijk de volledige collectie voor lijsten en formaten voor jouw ruimte.