Hiroshi Yoshida: een verzamelaarsgids voor de shin-hanga meester

Artist Spotlight · 8 min leestijd · Kuriosis Studio Team, Berlijn · juli 2026

Hiroshi Yoshida kwam laat bij de houtsnede terecht, en vanuit een onverwachte hoek. Hij had al naam gemaakt als westers geschoolde olieverf- en aquarelschilder, tentoongesteld in Amerikaanse en Europese musea, voordat hij ooit een blok had gesneden. Toen hij zich op zijn veertigste tot de prentkunst wendde, nam hij dat alles met zich mee, perspectief, sfeer, het vallen van echt licht, en versmolt dat met een eeuwenoud Japans ambacht. Het resultaat is een oeuvre dat tussen twee werelden in staat, en een van de meest verrassend lonende namen waarmee een prentverzamelaar kan beginnen. De avondscène bovenaan deze pagina, zijn uitzicht op de Kiso-rivier, is een goede eerste kennismaking: een Japanse houtsnede die zich gedraagt als een landschapsschilderij, met een echte zon die ondergaat boven echt water.

Hiroshi Yoshida is een van de meesters die aan bod komen in onze complete gids voor Japanse wandkunst, de stijlen, de meesters en hoe je een print voor je huis kiest.

Van olieverfschilder tot houtsnedemeester

Yoshida werd in 1876 geboren in Kurume en op zijn vijftiende geadopteerd door kunstdocent Kasaburō Yoshida, wiens naam hij overnam. Hij trainde eerst als yōga (westerse stijl) schilder, en erkenning kwam al vroeg en internationaal: volgens biografische bronnen exposeerde hij in 1899 in het Detroit Museum of Art, op de Wereldtentoonstelling van Parijs in 1900, en won hij een bronzen medaille op de Wereldtentoonstelling van St. Louis in 1904, allemaal als schilder. Het Art Institute of Chicago omschrijft hem als "een van de meest productieve kunstenaars in de geschiedenis van de houtsnede", met landschappen die "begeerd worden door verzamelaars in Japan en daarbuiten."

Hij presenteerde zijn eerste houtsnede rond 1920, op 44-jarige leeftijd, in het atelier van uitgever Watanabe Shōzaburō. Het was een korte samenwerking. De grote Kantō-aardbeving van 1 september 1923 verwoestte Watanabe's werkplaats en de bijbehorende blokken, en in 1925 zette Yoshida een beslissende stap: hij nam zijn eigen graveurs en drukkers in dienst en richtte een atelier op onder zijn eigen nauwlettend toezicht. Prenten die op deze manier zijn gemaakt, dragen zijn jizuri (自摺, "zelf gedrukt") zegel, en dat kleine merkteken doet er voor verzamelaars vandaag de dag nog steeds toe.

Die beslissing is de sleutel tot zijn werk. De meeste ukiyo-e was een zaak die werd gerund door de uitgever, die het ontwerp in opdracht gaf, de blokken financierde en een niet-winstgevende oplage kon annuleren. Door het atelier zelf in huis te nemen, zorgde Yoshida ervoor dat de prent verantwoording aflegde aan de kunstenaar in plaats van aan de markt. Hij kon zijn drukkers aansporen tot meer drukgangen, subtielere kleurverlopen en kleurkeuzes die een commerciële uitgever misschien had geweigerd als te traag of te kostbaar. Dat is de reden waarom zijn vellen een ongewoon hoog aantal afdrukken en een dieptekwaliteit hebben die elders in die periode moeilijk te vinden is.

Shin-hanga: nieuwe prenten uit een oud ambacht

Yoshida werkte binnen de shin-hanga ("nieuwe prenten") beweging, de heropleving uit het begin van de twintigste eeuw onder leiding van Watanabe, die het traditionele houtsnede-ambacht tegenover de opkomende fotografie plaatste. Het Smithsonian National Museum of Asian Art bezit een diepgaande collectie van zijn werk en plaatst hem daar nadrukkelijk binnen. Een houtsnede in deze traditie is een samenwerking van vier partijen, uitgever, ontwerper, blokgraveur en drukker, met een apart blok gesneden voor elke kleur. Wat Yoshida onderscheidde, is dat hij die hele keten zelf overzag.

Zijn handelsmerk was het drukken van één set blokken in verschillende kleurcombinaties om verschillende tijdstippen van de dag en weersomstandigheden vast te leggen. Zijn Sailing Boats uit 1926 bestaat als een hele reeks varianten, ochtend, voormiddag, namiddag, mist, avond, nacht, dezelfde haven opnieuw vormgegeven door alleen het licht. De archieven van het Smithsonian bevestigen de uitgebreide, met de hand aangebrachte bokashi-verlopen achter die sfeervolle luchten. Het is het instinct van een schilder, uitgevoerd met de discipline van een prentmaker.

Het ambacht achter dat effect is de moeite waard om te begrijpen, want dat is wat je eigenlijk koopt. Elke kleur vraagt om zijn eigen gesneden blok, uitgelijnd met de andere door kleine registratiemarkeringen zodat de lagen precies op hun plaats vallen. Een verlopende lucht is geen gedrukte kleur maar een veegtechniek: de drukker brengt de inkt ongelijkmatig op het blok aan en trekt de toon met de hand, druk na druk, en geen twee afdrukken zijn ooit helemaal identiek. Voor één enkel vel van Yoshida konden tientallen aparte drukgangen nodig zijn. Als je naar een van zijn avondluchten kijkt, kijk je naar een verslag van die geduldige, opbouwende arbeid, de reden waarom een goede afdruk beloond wordt met aandachtig kijken op een manier die een posterreproductie nooit kan.

Een schildersoog voor licht en afstand

Omdat hij uit de olieverfschilderkunst kwam, ging Yoshida anders om met ruimte dan de klassieke ukiyo-e meesters. Zijn bergen wijken terug met echt atmosferisch perspectief, zijn water houdt reflecties vast, zijn sneeuwtaferelen voelen koud aan. De tentoonstelling Carving Across Borders van de Japan Foundation draait precies om dit thema, zijn overbrugging van westers realisme met het traditionele medium. Zelf een bergbeklimmer, keerde hij keer op keer terug naar de Japanse Alpen en naar de berg Fuji, zoals in zijn De top van de Fuji uit 1928.

Zijn nieuwsgierigheid reisde ook mee. In de winter van 1930-31 reisde hij samen met zijn zoon Tōshi door India en Zuidoost-Azië, en die reis leverde een reeks prenten op van tempels, steden en licht zoals niets anders in de Japanse prentkunst van die periode, waaronder de gloeiende Golden Pagoda in Rangoon. Waar eerdere ukiyo-e reistaferelen dicht bij huis bleven, nam Yoshida de Japanse houtsnede mee naar het buitenland en gebruikte hij die om een tempel bij schemering in Rangoon of een gesneden venster in Fatehpur-Sikri vast te leggen, met dezelfde verlopende luchten toegepast op vreemd licht. (Een opmerking voor nieuwe verzamelaars: Hiroshi moet niet worden verward met zijn zoon Tōshi Yoshida, 1911-1995, ook een bekwaam prentmaker; de twee reisden samen en gebruikten beiden de familienaam.)

Die mengeling van westerse observatie en Japans vakmanschap is ook de reden waarom zijn reputatie zo standvastig is gebleven. Hij werd tijdens zijn eigen leven aan beide kanten van de Stille Oceaan gevierd, en zijn landschappen zijn bij verzamelaars nooit uit de gratie geraakt. De beslissing van het Art Institute of Chicago om een volledige tentoonstelling "Yoshida Family: Three Generations" rond hem en zijn nakomelingen op te bouwen, is een maatstaf voor hoe stevig hij verankerd zit in het verhaal van de moderne prentkunst. Voor een eerste serieuze prent biedt hij iets zeldzaams: aanzien op museumniveau, een groot en gevarieerd oeuvre om uit te kiezen, en beelden die werkelijk rustgevend zijn om mee te leven.

Wat de waarde voor verzamelaars bepaalt

Yoshida is een van de meest toegankelijke shin-hanga kunstenaars om mee te beginnen verzamelen, maar een paar dingen onderscheiden een fraaie afdruk van een gewone.

"Een van de meest productieve kunstenaars in de geschiedenis van de houtsnede."
— Art Institute of Chicago, over Hiroshi Yoshida

Bekijk Hiroshi Yoshida prints bij Kuriosis →

Leven met een Yoshida print

Het werk van Yoshida is prettig om mee te leven omdat het rond licht is opgebouwd. Een zachte avondscène zoals de Kiso-rivier of het door lantaarns verlichte A Little Restaurant at Night brengt rust in een kamer, mooi boven een bed, een leesstoel of een eetkamerwand waar het licht al warm is. Zijn helderdere daglandschappen, zoals de top van de Fuji of de kersenbloesems bij Arashiyama, houden zich prima staande in een drukkere, zonovergoten ruimte. Omdat zoveel van zijn prenten een horizontaal formaat en een gemeenschappelijk palet van blauw, grijs en zacht roze delen, ogen twee of drie samen opgehangen als een rustige, samenhangende set in plaats van een botsing.

Meer Hiroshi Yoshida prints uit onze collectie:

Waarom fine art prints? De aanpak van Kuriosis

Wij produceren elke print in ons eigen atelier in Berlijn met archiefwaardige pigmentinkten, zodat de verlopende luchten en zachte kleuren die het werk van Yoshida kenmerken op de muur behouden blijven in plaats van te vervagen. Bekijk de volledige Yoshida collectie om de scène te vinden die bij jouw ruimte past.

Bronnen & verder lezen

• Wikipedia — Hiroshi Yoshida (biografie en chronologie)
• Art Institute of Chicago — Yoshida Hiroshi
• Smithsonian National Museum of Asian Art — Japan Modern: Prints in the Age of Photography
• The British Museum — Yoshida Hiroshi (biografisch overzicht)
• Japan Foundation — Carving Across Borders: Block Prints of Hiroshi Yoshida

Bekijk alle Hiroshi Yoshida prints →