Odilon Redon: een verzamelaarsgids over de vader van de symbolistische

Vaas met bloemen van Odilon Redon in een zwarte lijst, bij een raam met planten

Artist Spotlight · 7 min leestijd · Kuriosis Studio Team, Berlijn · augustus 2026

Odilon Redon werkte meer dan twintig jaar bijna uitsluitend in zwart voordat hij ooit een bloemstuk schilderde. Wie die zwart-witperiode begrijpt, en waarom hij haar losliet, ziet waarom zijn juweelkleurige boeketten zoveel meer zijn dan mooie bloemen: naar de geest staan ze dichter bij de visionaire houtskooltekeningen die eraan voorafgingen dan bij welke conventionele stillevenstraditie ook. Hier lees je het volledige verhaal achter het werk, en wat je moet weten voordat je een print kiest.

Twintig jaar in zwart: de “noirs”

Redon werd in 1840 in Bordeaux geboren als Bertrand-Jean Redon en kreeg de roepnaam “Odilon” naar zijn moeder Odile. Gedurende ongeveer de eerste twintig jaar van zijn werkende leven, van zijn dienst in de Frans-Duitse Oorlog van 1870 tot 1871 tot ver daarna, werkte hij bijna uitsluitend in houtskool en lithografie, een groep werken die hij zijn noirs noemde. Hij beperkte zichzelf niet uit gebrek aan ambitie. Zoals het Getty Museum het verwoordt, met een direct citaat van Redon, was zwart voor hem “de meest essentiële kleur”, een kleur die “haar opwinding en vitaliteit put uit het diepst van onze organische gevoeligheid”. Hij bouwde zijn noirs op uit houtskool, zwart krijt en contékrijt, in lagen aangebracht en bewerkt om een verrassend bereik aan toon en textuur uit één enkele kleur te halen.

De noirs vonden hun publiek op een onverwachte plek: Joris-Karl Huysmans' roman À rebours (Tegen de keer) uit 1884 noemde Redons tekeningen bij naam, en de aandacht die daarop volgde haalde hem uit de relatieve vergetelheid. Het is een nuttig feit om Redons hele loopbaan te begrijpen: hij werd eerst erkend door schrijvers en symbolisten die zich aangetrokken voelden tot de vreemdheid van zijn beelden, niet door een schilderkunstig establishment dat weinig kon met somber houtskoolwerk, en die buitenstaanderspositie bepaalde hoe radicaal zijn latere stap naar kleur zou aanvoelen. Redons noirs waren ook nooit simpelweg duisternis om de duisternis: hij bouwde zwevende ogen, drijvende hoofden en half menselijke, half plantaardige figuren op uit houtskool en lithografisch krijt, beelden die dichter bij het binnenste van een droom liggen dan bij iets wat direct is waargenomen, precies de gevoeligheid die symbolistische schrijvers als Huysmans als verwant herkenden.

De omslag: hoe een schilder van het duister een schilder van bloemen werd

Alles veranderde in de jaren 1890, toen Redon serieus met pastel en olieverf begon te werken. Het Metropolitan Museum of Art, dat zijn Vaas met bloemen (roze achtergrond) van omstreeks 1905 tot 1906 bezit, vat de omslag kort samen: “Na meer dan twee decennia bijna uitsluitend in zwart-wit te hebben gewerkt, toonde Redon zijn gaven als colorist in de lichtgevende pastels en schilderijen die hij na 1895 maakte.” In 1900 had hij de noirs volledig achter zich gelaten. Hij was in de zestig.

Wat hij in plaats daarvan schilderde, waren bloemen, maar geen rechttoe rechtaan waargenomen bloemen. De conservatoren van het Met merken zelf op dat Redon echte, herkenbare bloemen (papavers, korenbloemen, madeliefjes) aandachtig bestudeerde en ze dan liet “opkomen als fantasierijke herscheppingen, in juweelachtige kleurvlekken tegen een mistig, onbepaald veld”, waarbij hij vaak bloemen die in de natuur niet samen groeien in één verbeeld boeket combineerde. Het is waargenomen plantkunde, gefilterd door de verbeelding in plaats van erdoor gekopieerd, en daarom voelt een bloemstuk van Redon nog altijd dichter bij een droom dan bij een stilleven, hoewel elke afzonderlijke bloem naar iets echts is getekend. Redon gaf deze aanpak zelf een naam die het onthouden waard is: hij wilde “de logica van het zichtbare in dienst stellen van het onzichtbare”.

De collectienotities van MoMA beschrijven zijn late onderwerpen als “de kleine schoonheden van de natuur, zoals vlinders, schelpen en bloemen, als voorwerpen van contemplatie”, een omschrijving die bij de bloemstukken past maar ook laat zien hoe consistent Redons late belangstelling was: geen plotselinge wending naar decoratie, maar dezelfde beschouwende, zoekende aandacht die hij eerst op houtskoolduisternis richtte, nu gericht op kleur. De vazen zelf verschillen van schilderij tot schilderij: een eenvoudige witte keramische kan in het ene, een rijk versierde Chinese vaas in het andere, een ruwe donkere aardewerken pot in een derde. Redon besteedt aan elke vaas of pot evenveel aandacht als aan de bloemen erin, en laat vorm en glazuur het emotionele register van de hele compositie bepalen.

Vase of Flowers

Nasturtiums

Boeket in een Chinese vaas van Odilon Redon

Bouquet in a Chinese Vase

Wat een bloemstuk van Odilon Redon het verzamelen waard maakt

Redons late bloemenperiode is kort en strak gedateerd, grotendeels 1900 tot 1914, wat het makkelijk maakt een bepaald schilderij in context te plaatsen, maar ze rust ook op een langere, vreemdere loopbaan die de meeste toevallige bewonderaars nooit te zien krijgen. Die combinatie, ruim twintig jaar visionair duister gevolgd door vijftien jaar juweelheldere kleur, is onder grote schilders ongewoon genoeg om te kennen voordat je een print kiest, omdat ze verandert wat de kleur in het beeld eigenlijk doet. Het is niet de kleur van een kunstenaar die altijd zo schilderde; het is de kleur van iemand die decennia nodig had om het recht te verdienen haar te gebruiken.

Kleur als late ontdekking

Redon begon niet in kleur om vervolgens naar zwart te vereenvoudigen, zoals veel schilders met de jaren in gedempte paletten belanden. Hij deed het omgekeerde: eerst twintig jaar houtskool, daarna kwam kleur laat en bleef ze fel, en dat is deels waarom zijn bloemstukken zo ongeremd aanvoelen.

Erkenning op museumniveau

Het Met, MoMA en het Art Institute of Chicago bezitten alle drie meerdere bloemstukken van Redon uit precies deze periode, en MoMA wijdde in 2005 en 2006 een grote retrospectieve aan hem, Beyond the Visible, over zijn volledige bereik van noirs tot pastels.

Een brug naar het surrealisme

Redons verbeelde, droomachtige composities waren te zien op de baanbrekende Armory Show van 1913 in New York en werden later bewonderd door surrealisten als André Breton, wat hem tot een van de duidelijkste schakels maakt tussen het negentiende-eeuwse symbolisme en het twintigste-eeuwse surrealisme.

Erkend tijdens zijn leven

Redon ontving in 1903 het Légion d'honneur, ongeveer halverwege zijn bloemenperiode, zodat de late stap naar kleur geen verborgen, onopgemerkte wending was maar een publiek erkende prestatie terwijl hij nog schilderde.

“De logica van het zichtbare in dienst stellen van het onzichtbare.”
— Odilon Redon

Bekijk Odilon Redon-prints bij Kuriosis →

Een boeket van Redon lezen

Zodra je weet waar je op moet letten, herhaalt het patroon in Redons bloemstukken zich over de hele late periode: een los neergezette vaas, vaak niet meer dan een paar zelfverzekerde streken, als anker voor een boeket dat meer kleuren en meer bloemsoorten bijeenbrengt dan welk echt arrangement ook tegelijk zou kunnen bevatten. Nasturtiums, de Oost-Indische kers, gaat hierin het verst en laat de vaas bijna volledig oplossen in een veld van oranje en groen, zodat het schilderij eerst als pure kleur overkomt en pas daarna, bij nadere beschouwing, als een herkenbaar boeket. Boeket in een Chinese vaas trekt de andere kant op en geeft de vaas echt gewicht en patroon, zodat de bloemen erboven als een offergave overkomen in plaats van als een studie.

Op zijn veertigste getrouwd met Camille Falte, een creoolse vrouw, afkomstig van het huidige Réunion, werkte Redon zijn laatste twintig jaar gestaag in deze richting door, exposeerde regelmatig en won elk jaar bredere erkenning, tot zijn dood in Parijs in 1916. Zijn zoon Arï Redon hielp later het archief van zijn vader te bewaren en te ordenen en schonk uiteindelijk omvangrijke delen van de schilderijen en papieren aan het Musée d'Orsay en het Louvre, wat deels verklaart waarom zoveel van deze late, productieve periode vandaag in goed gedocumenteerde, museumwaardige staat bewaard is, gecatalogiseerd en gedateerd met een precisie die ongewoon is voor een schilder die grotendeels buiten het commerciële galeriesysteem van zijn tijd werkte.

Goed om te weten is ook dat Redon de deur naar zijn vroegere beeldtaal nooit helemaal sloot, zelfs niet op het hoogtepunt van de bloemenperiode. Werken als De cycloop, geschilderd rond 1914 en nu in het Kröller-Müller Museum, tonen een reusachtig gezicht met één oog dat zich over een liggende figuur tussen bloemen buigt, bewijs dat de kunstenaar die twintig jaar tekende wat niet te zien was, die neiging niet simpelweg opgaf toen hij een penseel oppakte. Het meeste wat Kuriosis voert, valt duidelijk in de puur florale helft van dat spectrum, maar weten dat het vreemdere werk ernaast bestaat, verandert hoe je zelfs de eenvoudige boeketten leest: als kleur, gekozen door iemand die twintig jaar lang had bewezen dat hij haar niet nodig had.

Meer prints van Odilon Redon uit onze collectie:

Bouquet of Flowers

Flowers in a Vase

Large Vase with Flowers

Waarom kunstprints? De aanpak van Kuriosis

Elke Redon maken we zelf in onze Berlijnse studio, met archiefpigmentinkten die meer dan honderd jaar meegaan, zodat de levendige pastelkleuren hun verzadiging houden in plaats van te verbleken zoals originelen op papier vaak doen. Bekijk de volledige collectie voor lijsten en formaten voor jouw ruimte.