Artista destacado · 8 min de lectura · Equipo del estudio Kuriosis, Berlín · agosto de 2026
Los cuadros de Renoir muestran a la gente pasándolo bien mejor que casi ningún otro del siglo XIX, y Auguste Renoir los pintó justo en el momento en que se estaba inventando el impresionismo. A diferencia de los paisajes de Monet o las bailarinas de Degas, los cuadros más conocidos de Renoir están llenos de personas concretas, con nombre, en lugares concretos que todavía pueden localizarse en París y alrededores. Si lo que te ha traído hasta aquí es el Baile en el Moulin de la Galette o el Almuerzo de remeros, esta guía cuenta dónde se pintaron realmente estas escenas, quiénes son las personas que aparecen en ellas y por qué una lámina de Renoir merece elegirse por encima de cualquier otro nombre impresionista.
De pintor de porcelana al nacimiento del impresionismo
Renoir nació en 1841 en Limoges, una ciudad conocida por la porcelana, y él mismo empezó como pintor de porcelana antes de pasarse a las bellas artes. En 1862 empezó a formarse con Charles Gleyre en París, donde conoció a Claude Monet, Alfred Sisley y Frédéric Bazille, el grupo de estudiantes que acabaría siendo el núcleo fundador del impresionismo. Renoir expuso seis obras en la primera Exposición Impresionista de abril de 1874, la muestra que dio nombre al movimiento: un crítico hostil lo tomó, en tono de burla, de Impresión, sol naciente de Monet.
El avance técnico llegó antes, en el verano de 1869, cuando Renoir y Monet plantaron los caballetes uno junto al otro en La Grenouillère, un popular lugar de baño y paseo en barca a orillas del Sena, cerca de Bougival. Trabajando juntos, los dos pintores descubrieron que las sombras sobre el agua y el follaje se leen como color, azules, violetas, verdes, y no como marrón plano o negro, y empezaron a usar pinceladas cortas, rotas, en forma de coma, para captar el centelleo del sol sobre el agua en movimiento. Los historiadores del arte atribuyen a aquellas sesiones, de las que salieron seis cuadros entre los dos, buena parte de la invención de la técnica impresionista tal como se entiende hoy, ampliada más tarde a las escenas de multitudes por las que Renoir es más conocido. Es un caso raro en la historia del arte: la orilla exacta, el verano exacto y el compañero de pintura exacto que hay detrás de la técnica fundacional de un movimiento, todo tan bien documentado.
Montmartre un domingo por la tarde: el Baile en el Moulin de la Galette
En 1876, Renoir estaba listo para aplicar esa técnica a algo mucho más ambicioso que una orilla. Alquiló una casita como estudio en la rue Cortot, en Montmartre, precisamente para estar cerca del Moulin de la Galette, un baile al aire libre donde los parisinos de clase obrera se reunían los domingos para bailar, beber y comer las galettes que le daban nombre. El cuadro resultante, hoy en el Museo de Orsay de París, es, para los historiadores del arte, una muestra de «riqueza de forma, fluidez de pincelada y una luz parpadeante, moteada de sol»: la luz cae entre las hojas directamente sobre una multitud en movimiento, y no sobre un paisaje estático. Expuesto en la tercera Exposición Impresionista de 1877, sigue siendo una de las composiciones de figuras a gran escala más ambiciosas que produjo el movimiento.
Unos años después, Renoir fue aún más lejos con el Almuerzo de remeros, pintado entre 1880 y 1881 en el balcón del restaurante Maison Fournaise, en Chatou, a orillas del Sena. Con unos 130 × 176 cm, está entre los lienzos más grandes que llegó a pintar, y al parecer tardó unos dieciséis meses en terminarlo. Los modelos no son anónimos: entre ellos están Aline Charigot, que más tarde sería su mujer, sentada con su perrito; el también pintor y aficionado al remo Gustave Caillebotte; el crítico de arte Charles Ephrussi; y las actrices Ellen Andrée y Jeanne Samary. El coleccionista estadounidense Duncan Phillips persiguió el cuadro durante diez años antes de comprarlo por fin en 1923, y más tarde escribió que haría «más por despertar interés y apoyo» hacia su galería «que todo el resto de nuestra colección junto».
Luncheon of the Boating Party
La Grenouillère
Por qué los coleccionistas vuelven siempre a los cuadros de Renoir
Los cuadros de Renoir son inusualmente fáciles de situar en el tiempo, algo que importa si estás eligiendo entre sus primeras escenas de multitudes y su obra posterior. Hacia 1881, tras un viaje a Italia para estudiar a Rafael y los frescos del Renacimiento, Renoir rompió casi por completo con la factura suelta impresionista. Se le atribuye a menudo la frase: «Había llegado tan lejos como podía con el impresionismo, y me di cuenta de que no sabía ni pintar ni dibujar», una confesión llamativa en un artista que ya estaba en el centro del movimiento. Lo que siguió se llama a veces su «periodo Ingres», visible en contornos más firmes y figuras compuestas de forma más clásica, un cambio que puedes seguir directamente en una obra como Las dos hermanas (En la terraza), pintada el mismo año de aquel viaje a Italia.
En sus últimas décadas, Renoir se trasladó a Cagnes-sur-Mer, en el sur de Francia, buscando un clima más cálido a medida que la artritis le deterioraba las manos, y pasó casi por completo a desnudos de tonos cálidos y escenas domésticas, un conjunto de obra al que a veces se llama simplemente su «periodo Renoir». Siguió trabajando entre fuertes dolores hasta su muerte en 1919, y de esa obra tardía sale la frase que su familia le atribuyó después, que el dolor pasa pero la belleza queda: no el eslogan de un pintor joven, sino el testimonio de uno viejo y enfermo sobre lo que el trabajo le había costado y por qué siguió de todos modos.
Lugares reales, no inventados
La Grenouillère, el Moulin de la Galette, el balcón de la Maison Fournaise: los tres lugares existieron y todavía pueden localizarse en un mapa de París y de sus afueras a orillas del río, lo que da a estos cuadros un carácter documental que la mayoría de los paisajes impresionistas no tiene.
Una técnica que se puede fechar con precisión
La pincelada rota en forma de coma que Renoir desarrolló con Monet en La Grenouillère en 1869 puede seguirse cuadro a cuadro durante la década siguiente, lo que convierte su obra temprana en un registro auténtico del impresionismo inventándose a sí mismo.
Obra tardía hecha entre dificultades reales
Desde 1892, Renoir sufrió una artritis reumatoide progresiva; siguió pintando, con los pinceles atados a la mano en los últimos años, hasta su muerte en 1919, lo que da un peso real a la alegría que su obra tardía sigue transmitiendo.
Temas legibles para todos
Marjorie Phillips, la mujer de Duncan Phillips y también pintora, señaló una vez que apenas importa quiénes eran en realidad las figuras de una escena de multitudes de Renoir: «son cualquier hombre, son toda la gente», y en parte por eso estos cuadros siguen leyéndose con claridad en una casa de hoy.
«El dolor pasa, pero la belleza queda».
— Auguste Renoir
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El Renoir más tranquilo: retratos y paisajes
No todos los Renoir que merecen tenerse en casa son escenas de multitudes. Las dos hermanas (En la terraza), pintado en 1881 y hoy en el Art Institute of Chicago, se sitúa justo en la bisagra entre su impresionismo suelto de los años 1870 y la obra de figuras más firme que vino después: las dos modelos están bañadas en la misma luz brillante y moteada de sus escenas de multitudes, pero pintadas con bastante más solidez y contorno. El propio Renoir tituló el cuadro Les Deux Sœurs; fue su marchante, Paul Durand-Ruel, quien le dio el título alternativo por el que aún suele conocerse, un pequeño recordatorio de cuánta influencia tuvieron los marchantes de la época sobre cómo se vendían y se recordaban estos cuadros.
Sus paisajes puros, estudios silenciosos de praderas y árboles solitarios pintados con la misma pincelada rota que usaba para las multitudes, son una de las partes menos reproducidas de su catálogo, y justamente eso los hace útiles para un coleccionista que quiere la técnica y el color de Renoir sin una habitación llena de parisinos devolviéndole la mirada. Funcionan de forma natural como contrapunto más pequeño y sereno a una pieza principal como el Baile en el Moulin de la Galette, y a menudo es en ellos donde la mano impresionista de Renoir se ve mejor de cerca: sin caras que resolver, solo los mismos trazos cortos en forma de coma que él y Monet desarrollaron juntos en La Grenouillère, aplicados aquí a la hierba y las hojas en lugar de al agua en movimiento.
Estos paisajes también dicen algo práctico sobre cómo trabajaba Renoir: rara vez pintaba un tema una sola vez. Existen varias versiones de La Grenouillère y del Baile en el Moulin de la Galette, hechas en fechas cercanas, un hábito que compartía con Monet y una de las razones de que museos a ambos lados del Atlántico puedan tener cada uno una versión auténtica y de época del mismo tema. Para un coleccionista, es un recordatorio útil de que «el» cuadro suele ser en realidad uno de varios que el artista consideró dignos de terminar.
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Fuentes y lecturas complementarias
- Wikipedia: Pierre-Auguste Renoir, biografía completa y trayectoria
- Museo de Orsay, París: Bal du moulin de la Galette, ficha oficial de la colección
- The Phillips Collection: Almuerzo de remeros, procedencia y retratados
- Art Institute of Chicago: Las dos hermanas (En la terraza), ficha de la colección
- National Gallery, Londres: Pierre-Auguste Renoir, perfil del artista
