Cuadros de Klimt: guía del coleccionista sobre el maestro de la Viena

El beso de Gustav Klimt enmarcado en roble, colgado en un salón luminoso junto a una planta alta

Artista destacado · 8 min de lectura · Equipo del estudio Kuriosis, Berlín · agosto de 2026

Entre todos los cuadros de Klimt, los de pan de oro ocupan menos de quince años de trabajo, y sin embargo de esos años salió el cuadro más reconocible que ha dado Viena. El nombre de Gustav Klimt es hoy sinónimo de toda una estética, oro, patrón y ornamento sobre la figura humana, pero la historia que hay detrás es más extraña y está mejor documentada de lo que esa etiqueta sugiere: el hijo de un modesto grabador de oro, un escándalo que acabó con el rechazo de su obra más ambiciosa, y un conjunto de pinturas repartido hoy entre grandes museos y manos privadas que la mayoría de los coleccionistas nunca verá en persona. Si te atrae El beso o el artista que hay detrás, esto es lo que merece la pena conocer de su obra, y de esa historia, antes de elegir una lámina.

Del hijo de un grabador de oro a la Secesión de Viena

Klimt nació en 1862 en Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hermanos en una familia realmente pobre. Su padre, Ernst Klimt el Viejo, era grabador de oro, un oficio que los biógrafos señalan desde hace tiempo como el origen de la posterior obsesión de su hijo por el pan de oro. De 1876 a 1883, Klimt estudió en la Kunstgewerbeschule de Viena (Escuela de Artes Aplicadas), y poco después fundó la «Künstlercompagnie» con su hermano Ernst y su compañero de estudios Franz von Matsch, con la que realizó murales decorativos para edificios públicos de toda la ciudad, entre ellos el Burgtheater, un trabajo que le valió en 1888 la Cruz de Oro del Mérito del emperador Francisco José I.

En 1897, Klimt cofundó y fue el primer presidente de la Secesión de Viena, el movimiento que separó al arte austriaco de la academia conservadora bajo el lema «A cada época su arte, a cada arte su libertad». La dirigió durante casi una década antes de separarse en 1906 para formar un grupo rival, la Kunstschau. Fue en este periodo, libre de expectativas institucionales, cuando tomó forma su obra más ambiciosa y polémica: el encargo de 1894 a 1907 para las Pinturas de las Facultades de la Universidad de Viena, tres grandes lienzos titulados Filosofía, Medicina y Jurisprudencia, fue tachado de obsceno por la crítica y nunca llegó a instalarse en la sala de la universidad para la que se había pintado.

Esos tres lienzos fueron destruidos por completo en un incendio en el castillo de Immendorf en 1945, provocado por tropas en retirada cerca del final de la Segunda Guerra Mundial. Es una de las grandes pérdidas de la pintura de principios del siglo XX, y significa que las Pinturas de las Facultades solo sobreviven hoy a través de bocetos preparatorios y un puñado de fotografías. Una figura, sin embargo, está mucho mejor documentada que el resto: Hygieia, la diosa griega de la salud, que ocupaba el centro del panel de Medicina. Su imagen sobrevive gracias a una fotografía en blanco y negro del cuadro terminado, tomada poco antes de su destrucción, y a una lámina en color publicada en una monografía sobre Klimt de 1931. Ese registro en color, y no un lienzo superviviente, es la razón de que Hygieia pueda reproducirse hoy con la misma nitidez que cualquier otra obra de la Fase Dorada, un pequeño fragmento de un cuadro destruido que se mantiene vivo solo gracias a la reproducción.

La Fase Dorada: Rávena, los mosaicos bizantinos y una nueva forma de pintar a las mujeres

Lo que los coleccionistas llaman hoy la «Fase Dorada» de Klimt (aproximadamente de 1898 a 1911) empezó con Palas Atenea en 1898, pero la base técnica no llegó hasta Judith, pintada en 1901 y conservada hoy en el Museo Belvedere de Viena, que posee la mayor colección de pinturas de Klimt del mundo. Fue la primera vez que Klimt usó pan de oro auténtico de forma sustancial en un óleo, aplicado mediante la técnica del dorado al mixtión: pan de oro asentado sobre una base adhesiva y luego repintado de forma selectiva con pigmento para construir el patrón por capas. El Belvedere, que cataloga el cuadro en la base de datos de su colección, dice que convierte a la viuda bíblica en «una femme fatale erótica», con los ojos entrecerrados escenificando lo que los comisarios llaman «una batalla de sexos».

El estilo cuajó del todo tras un viaje a Rávena en diciembre de 1903, donde Klimt vio los mosaicos bizantinos dorados de la iglesia de San Vital: paredes de mil años cubiertas del suelo al techo de figuras planas y brillantes, sin el menor interés por la profundidad o la sombra. Volvió a casa y empezó a pintar de la misma manera. La Neue Galerie de Nueva York, propietaria hoy del Retrato de Adele Bloch-Bauer I, describe la superficie de oro y plata de ese cuadro como construida a partir de «zonas de aspecto de joya que recuerdan a piedras semipreciosas», un eco directo de lo que Klimt vio en Rávena. Adele Bloch-Bauer tiene otra particularidad: es la única persona a la que Klimt retrató dos veces de cuerpo entero, una en 1907, en pleno apogeo de la Fase Dorada, y otra en 1912 en un estilo notablemente distinto y más colorido. El cuadro de 1907 tiene una historia propia bien documentada: incautado por los nazis en 1938, expuesto durante décadas bajo el título deliberadamente anónimo de «La dama de oro» para ocultar a sus antiguos propietarios judíos, y devuelto a los herederos de Bloch-Bauer solo tras una sentencia de restitución histórica en enero de 2006, momento en el que Ronald S. Lauder lo compró para la Neue Galerie por una suma que entonces fue récord.

The Kiss

Danae

Hygieia

Qué da valor hoy a una lámina de Klimt

Los cuadros originales de Klimt casi nunca salen al mercado, y cuando aparecen fragmentos de su archivo, atraen la atención de los museos más que la de los compradores privados. Esa escasez es justo la razón de ser de las láminas en una tienda como la nuestra: no se trata de reproducir algo que podrías comprar, sino de poner a tu alcance un puñado de imágenes concretas y cargadas de historia del arte para colgarlas de verdad, y no solo mirarlas en un libro o tras el cristal de un museo en un viaje a Viena. Conviene saber algunas cosas antes de decidir cuál.

Un periodo corto e irrepetible

La Fase Dorada va aproximadamente de 1898 a 1911, unos trece años dentro de una carrera de más de tres décadas. Klimt nunca volvió del todo a ella después de 1911, y en parte por eso estos cuadros concretos, El beso, Dánae o Hygieia entre ellos, se consideran un conjunto de obra aparte y cerrado, y no un estilo más entre muchos.

No todo está en un museo

El beso y Judith cuelgan en el Belvedere. Dánae no: sigue en la colección privada de una familia austriaca, a diferencia de la mayoría de las grandes obras de la Fase Dorada de Klimt. Esa distancia entre lo que puede verse en público y lo que no es justo lo que da sentido a una lámina bien hecha para los coleccionistas que quieren la imagen cuando el original es inalcanzable.

La procedencia como parte de la historia

Varios Klimt importantes, incluidos Adele Bloch-Bauer I y Mäda Primavesi, fueron incautados durante la ocupación nazi y no se restituyeron a sus familias hasta mucho después. Tener una lámina de estas obras significa tener una parte de esa historia documentada, no solo la imagen.

Una técnica que se ve

El dorado al mixtión de Klimt, pan de oro en capas bajo y sobre la pintura, es la razón de que su obra de la Fase Dorada se fotografíe y se reproduzca de forma tan característica. Una buena lámina conserva ese brillo en lugar de reducirlo a un simple tono metálico.

«Me interesa menos yo mismo como tema de un cuadro que las demás personas, sobre todo las mujeres».
— Gustav Klimt

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Más allá de El beso: los paisajes, los cuadros de Klimt más serenos

Klimt pintó más paisajes de lo que la mayoría imagina, casi todos en formato cuadrado, una ruptura deliberada con los lienzos altos y figurativos por los que es más conocido. Casi todos los pintó durante los veranos que pasaba con su compañera de toda la vida, Emilie Flöge, y la familia de ella en el lago Attersee, lejos de las intrigas expositivas y los encargos de retratos de Viena. Se nota en la obra: los cuadros del Attersee dejan que el agua llene casi todo el lienzo con una pincelada suelta y a toques, más cercana al impresionismo que cualquier cosa de la Fase Dorada, pintados desde una barca de remos y no desde un estudio. Bosque de hayas, conservado hoy en el Albertinum de Dresde y no en Viena, aplica la misma superficie densa y estampada de sus retratos dorados al suelo de un bosque en lugar de a un cuerpo, y cambia el pan de oro por un mosaico de ocres y azules.

Iglesia en Cassone, pintada en 1913, tiene su pequeño misterio: la iglesia exacta que representa, San Biagio, a orillas del lago de Garda, no la identificó un historiador del arte hasta 2010, casi un siglo después de que Klimt la pintara y mucho después de que el lugar se hubiera borrado de la memoria colectiva. Para un coleccionista, estos paisajes ofrecen algo que los retratos dorados no dan: un registro más calmado del mismo artista, más fácil de colgar en casa, todavía inconfundible en densidad y patrón, sin necesidad de un tema mitológico que justifique su sitio en la pared.

Más láminas de Gustav Klimt de nuestra colección:

Attersee

Beech Grove

Kirche in Cassone

¿Por qué láminas de arte? El enfoque de Kuriosis

Producimos cada lámina de Klimt en nuestro estudio de Berlín con tintas de pigmento de archivo con una durabilidad estimada de más de cien años, para que los tonos dorados aguanten en lugar de apagarse. Echa un vistazo a la colección completa para ver las opciones de marco y tamaño para tu espacio.