Odilon Redon: guía del coleccionista sobre el padre de los sueños simb

Jarrón con flores de Odilon Redon enmarcado en negro, colgado junto a una ventana con plantas

Artista destacado · 7 min de lectura · Equipo del estudio Kuriosis, Berlín · agosto de 2026

Odilon Redon pasó más de dos décadas trabajando casi exclusivamente en negro antes de pintar siquiera una flor. Entender ese periodo en blanco y negro, y por qué lo abandonó, es lo que hace que sus ramos de tonos joya sean mucho más que flores bonitas: están más cerca, en espíritu, de los dibujos visionarios al carboncillo que los precedieron que de cualquier tradición convencional de bodegón. Esta es la historia completa que hay detrás de la obra, y lo que conviene saber antes de elegir una lámina.

Dos décadas en negro: los «noirs» de Odilon Redon

Redon nació como Bertrand-Jean Redon en 1840 en Burdeos; el apodo «Odilon» viene del nombre de su madre, Odile. Durante los primeros veinte años de su vida profesional, aproximadamente, incluido su servicio en la guerra franco-prusiana de 1870 a 1871 y bastante más allá, trabajó casi exclusivamente en carboncillo y litografía, un conjunto de obra que él llamaba sus noirs. No se limitaba por falta de ambición. Como lo expresa el Museo Getty citando al propio Redon, el negro era para él «el color más esencial», uno que «extrae su emoción y su vitalidad de lo más profundo de nuestra sensibilidad orgánica». Construyó sus noirs con carboncillo, tiza negra y lápiz Conté, superponiéndolos y trabajándolos para sacar de un solo color una gama sorprendente de tonos y texturas.

Los noirs encontraron público en un lugar improbable: À rebours (A contrapelo), la novela de Joris-Karl Huysmans de 1884, citaba los dibujos de Redon, y la atención que siguió lo sacó de una relativa oscuridad. Es un dato útil para entender toda su carrera: lo reconocieron primero los escritores y los simbolistas atraídos por la extrañeza de sus imágenes, no un mundo de la pintura al que los dibujos sombríos al carboncillo le servían de poco, y esa condición de outsider explica lo radical que resultaría después su giro al color. Sus noirs tampoco fueron nunca simple oscuridad por sí misma: construyó ojos flotantes, cabezas a la deriva y figuras medio humanas, medio planta con carboncillo y lápiz litográfico, imágenes más cercanas al interior de un sueño que a nada observado directamente, que es exactamente la sensibilidad que escritores simbolistas como Huysmans reconocieron como afín a la propia.

El giro: cómo un pintor de la oscuridad se convirtió en pintor de flores

Todo cambió en la década de 1890, cuando Redon empezó a trabajar en serio con pastel y óleo. El Metropolitan Museum of Art, que conserva su Jarrón con flores (fondo rosa), de hacia 1905 a 1906, resume el cambio sin rodeos: «Tras trabajar casi exclusivamente en blanco y negro durante más de dos décadas, Redon se reveló como colorista en los luminosos pasteles y pinturas que hizo a partir de 1895». Hacia 1900 había abandonado los noirs por completo. Tenía sesenta y tantos años.

Lo que pintó en su lugar fueron flores, pero no flores observadas sin más. Los propios comisarios del Met señalan que Redon estudiaba con atención flores reales e identificables, amapolas, acianos, margaritas, y luego dejaba que «emergieran como recreaciones caprichosas, en manchas de color como joyas sobre un campo brumoso e indefinido», combinando a menudo en un solo ramo imaginado flores que no crecen juntas en la naturaleza. Es botánica observada y filtrada por la imaginación, no copiada, y por eso un cuadro de flores de Redon sigue estando más cerca de un sueño que de un bodegón, aunque cada flor concreta venga de algo real. El propio Redon dio a este enfoque un nombre que merece recordarse: quería «poner la lógica de lo visible al servicio de lo invisible».

Las notas de la colección del MoMA describen sus temas tardíos como «las pequeñas bellezas de la naturaleza, como mariposas, conchas y flores, tomadas como objetos de contemplación», un lenguaje que encaja con los cuadros de flores pero que también señala lo coherentes que fueron sus intereses tardíos: no un giro repentino hacia la decoración, sino la misma atención contemplativa e inquisitiva que antes había dirigido a la oscuridad del carboncillo, ahora dirigida al color. Los jarrones varían de un cuadro a otro: una sencilla jarra de cerámica blanca en uno, un jarrón chino decorado en otro, un tosco cacharro de barro oscuro en un tercero, y Redon trata cada recipiente con tanta atención como las flores que contiene, dejando que su forma y su esmalte fijen el registro emocional de toda la composición.

Vase of Flowers

Nasturtiums

Bouquet in a Chinese Vase

Qué hace que un cuadro de flores de Redon merezca coleccionarse

El periodo floral tardío de Redon es corto y está bien acotado, sobre todo entre 1900 y 1914, lo que facilita situar cada cuadro en contexto, pero se asienta sobre una carrera más larga y más extraña que la mayoría de los admiradores ocasionales nunca llega a ver. Esa combinación, más de veinte años de oscuridad visionaria seguidos de quince de color vivo como una joya, es lo bastante inusual entre los grandes pintores como para conocerla antes de elegir una lámina, porque cambia lo que el color hace realmente en el cuadro. No es el color de un artista que siempre pintó así; es el color de alguien que pasó décadas ganándose el derecho a usarlo.

El color como descubrimiento tardío

Redon no empezó en color para ir simplificando hacia el negro, como tantos pintores que envejecen hacia paletas apagadas. Hizo lo contrario: primero dos décadas de carboncillo; luego el color llegó tarde y se quedó vivo, y en parte por eso sus cuadros de flores resultan tan desinhibidos.

Respaldo de los grandes museos

El Met, el MoMA y el Art Institute of Chicago conservan varios cuadros de flores de Redon de este mismo periodo, y el MoMA organizó una gran retrospectiva, Beyond the Visible, en 2005 y 2006, que abarcaba toda su trayectoria, de los noirs a los pasteles.

Un puente hacia el surrealismo

Las composiciones imaginadas y oníricas de Redon se mostraron en el histórico Armory Show de Nueva York de 1913 y más tarde las admiraron surrealistas como André Breton, lo que lo convierte en uno de los eslabones más claros entre el simbolismo del siglo XIX y el surrealismo del XX.

Reconocido en vida

Redon recibió la Legión de Honor en 1903, más o menos a mitad de su periodo floral, así que el giro tardío hacia el color no fue un cambio privado que nadie viera, sino un logro reconocido públicamente mientras aún pintaba.

«Poner la lógica de lo visible al servicio de lo invisible».
— Odilon Redon

Ver láminas de Odilon Redon en Kuriosis →

Cómo leer un ramo de Redon

Una vez que sabes qué buscar, el patrón de los cuadros de flores de Redon se repite a lo largo de todo su periodo tardío: un jarrón pintado con soltura, a menudo apenas unos trazos seguros, que ancla un ramo con más colores y más especies de flores de los que cabrían en cualquier arreglo real. Capuchinas lleva esto al extremo, disolviendo el jarrón casi por completo en un campo de naranja y verde, de modo que el cuadro se lee primero como color puro y solo después, mirando más de cerca, como un ramo reconocible. Ramo en un jarrón chino tira en la dirección contraria y da al recipiente un peso y un patrón reales, de modo que las flores de encima se leen como una ofrenda y no como un estudio.

Casado a los cuarenta con Camille Falte, una criolla de la actual isla de Reunión, Redon pasó sus dos últimas décadas trabajando con constancia en esta línea, exponiendo con regularidad y ganando cada año más reconocimiento, hasta su muerte en París en 1916. Su hijo Arï Redon ayudó después a conservar y ordenar el archivo paterno, y acabó donando una parte sustancial de las pinturas y los papeles de su padre al Museo de Orsay y al Louvre; en parte por eso tanta obra de este periodo tardío y prolífico se conserva hoy bien documentada y en condiciones de museo, catalogada y fechada con una precisión poco habitual para un pintor que trabajó en gran medida fuera del circuito comercial de galerías de su época.

También conviene saber que Redon nunca cerró del todo la puerta a sus imágenes anteriores, ni siquiera en pleno periodo floral. Obras como El cíclope, pintado hacia 1914 y hoy en el Museo Kröller-Müller, muestran un rostro gigante de un solo ojo que se asoma sobre una figura recostada entre flores, prueba de que el artista que pasó dos décadas dibujando lo que no podía verse no jubiló ese instinto sin más al coger un pincel. La mayor parte de lo que tiene Kuriosis se sitúa cómodamente en la mitad puramente floral de ese espectro, pero saber que la obra más extraña existe a su lado cambia cómo lees incluso los ramos más sencillos: como color elegido por alguien que había pasado veinte años demostrando que no lo necesitaba.

Más láminas de Odilon Redon de nuestra colección:

Bouquet of Flowers

Flowers in a Vase

Large Vase with Flowers

¿Por qué láminas de arte? El enfoque de Kuriosis

Producimos cada lámina de Redon en nuestro estudio de Berlín con tintas de pigmento de archivo con una durabilidad estimada de más de cien años, para que los vivos colores del pastel conserven su saturación en lugar de apagarse, como suele ocurrirles a los originales sobre papel. Echa un vistazo a la colección completa para ver las opciones de marco y tamaño para tu espacio.